Toquinho: “Siempre estoy aprendiendo y disfrutando"

Con la gira El arte del encuentro Toquinho estará en el Guido Miranda este jueves 12 de junio a las 21.30. En esta oportunidad estará acompañado por la talentosa cantante Camilla Faustino más banda.

 

Por Paulo Ferreyra

El máximo referente de la bossa nova con más de cincuenta años de historia en la música realizará un pequeño recorrido por su trayectoria. Las canciones irán pasando por momentos emotivos de sus composiciones junto a clásicos de la música de Brasil.

 

Toquinho estará en el escenario acompañado por Camilla Faustino, quien, gracias a su enorme talento, aportará juventud, carisma y alegría a un espectáculo único y emocionante. El músico está recorriendo el interior del país y antes de arribar a Resistencia respondió algunas preguntas y adelantó su show en el Complejo Cultural Guido Miranda.

 

— ¿Cómo se siente ante esta gira por el interior de Argentina?

 

— ¿Que puedo decir? Volver a Argentina es siempre una suerte y un encuentro realmente placentero. Son muchos lugares, muchas personas y tantos recuerdos. En Buenos Aires, miré por la ventana del coche el puerto donde llegué por primera vez, con Vinicius de Moraes. O sea, todas las memorias emergen con mucha fuerza. Los vinos y la carne también no están malos, entonces no es un sacrificio. Es un placer. Argentina me encanta; todavía, los argentinos me encantan aún más.

 

— En este recorrido estarás acompañado por Camilla Faustino, ¿por qué? ¿qué le aporta a sus canciones?

 

— Como estoy acostumbrado a decir, si no conoces a Camilla Faustino, busca conocerla lo más rápido que puedas. Camilla es para mí una de las mejores voces que he escuchado en mi vida. Una cantante con una musicalidad increíble, una de las más virtuosas con las que trabajé.

Obviamente ella aporta toda su fuerza y juventud en el show, su interpretación en el escenario, su musicalidad, su charme y belleza, su potencia vocal. Sin dudas, Camilla trae un nuevo color para mis canciones y para los conciertos. Será uno de los grandes nombres de la música brasileña, seguramente.

 

— La propuesta de esta gira es El arte del encuentro, ¿la música es encuentro? ¿qué es la música para vos?

 

— Sí, totalmente. Puede ser que no para todos, pero para mí, siempre fue así. Me gusta compartir las cosas, hacerlas de una manera más humana. Todo lo que hice fue así, prácticamente. Mi música y mis canciones nacieron de encuentros musicales y de la vida que tuve, experiencias, historias, charlas, viajes y las noches de fiesta… todo. Vivir es eso, encontrarse contigo mismo en todos los encuentros que tengas.

 

— Sos un referente de la canción y la guitarra dentro de la música de Brasil, ¿Qué significa eso para vos?

 

— Para mí es un honor, claro, pero no me quedo deslumbrado con nada de eso. Creo que yo supe aprovechar las situaciones y las oportunidades que tuve, trabajé mucho e hice todo con mucha verdad. Hago siempre lo que me gusta, lo que me toca, lo que quiero hacer. No soy de modas. Estudio mucho, toco guitarra todos los días, todo el tiempo. Son horas y horas así, a lo largo de estos años.

 

— Si tuvieras que marcar dos o tres momentos importantes de tu música a lo largo de estos años, ¿cuáles serían?

 

— Son tantos momentos importantes, tantos encuentros que cambiaron tantas cosas. Creo que sería injusto apuntar momentos específicos. Lo veo como un rompecabezas, que no haría sentido si por casualidad faltase una pieza o una parte. Las cosas juntas sí, porque se completan y una cosa lleva a otra, como un “efecto mariposa”, ¿no?

Pero seguramente yo no sería el mismo sin la guitarra, sin Chico Buarque, sin Vinicius de Moraes, sin Baden Powell, sin Paulinho Nogueira, sin Bahia, Rio de Janeiro, Italia, Argentina y todos los personajes que encontré por la vida.

 

— Volviendo al concierto en Resistencia, vas hacer un pequeño recorrido de tu trayectoria, ¿cómo escoges el repertorio para hablar de más de 50 años con la música?

 

— Veo como un cierto desafío, porque son muchos años de música y muchas canciones que atravesaron mi vida, no solo mías, pero también de parceros, amigos y de mis influencias. Eso todo llevo en el show. Mas también hay que tener flexibilidad y entender al público, como se comporta. El público siempre tiene la palabra final. Por eso es bueno tener muchas opciones, es mejor que no tenerlas.

 

“Siempre estoy aprendiendo y disfrutando”

 

Toquinho tiene más de 500 temas propios y 70 discos editados, es uno de los máximos exponentes de la música brasileña. Autor de grandes éxitos en todo el mundo como “Acuarela”, “Tarde me Itapoã”, “Samba pra Vinicius”, “Tonga da Mironga do Kabuleté”, “Samba de Orly” y” Samba da Bençao”, entre otros.

 

Antonio Pecci -su verdadero nombre- nació en San Pablo en julio de 1946. Con una vasta trayectoria, comenzó temprano su interés por la guitarra. A los 20 años grabó su primer LP instrumental, “O violão de Toquinho”, y rápidamente comenzó a participar en comedias musicales televisivas y en importantes festivales de la canción popular. Desde entonces no ha parado de componer, tocar y hacer giras.

 

A pocos días de llegar a Resistencia destacó, “siempre estoy aprendiendo y disfrutando. Para mí, lo importante es eso: las relaciones humanas, el aprendizaje, trocar y aprovechar los encuentros, vivirlos y mejorar siempre, buscando crecimiento en todos los ámbitos”.

 

 

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Tres historias y tres miradas sobre el periodismo cultural

 

En el periodismo las horas no están en el reloj. Tiempo. Tiempo. Tiempo. Cómo un ladrón a medias le quite un momento de sus vidas a tres periodista, Gilda Gili Ratti, Mariela Mioni y Flavia Pittella. Hoy en el Día del Periodista hurgamos con ellas sobre el oficio del periodismo cultural. Ah, feliz día. 

Por Paulo Ferreyra

Lecturas

 

Las periodistas tienen varias cosas en común y una de ellas es el gusto por la lectura, ese deseo de dejarse llevar por la tinta negra y que se enciendan distintas historias. 

Gili comentó que le “gusta tener varios frentes abiertos al mismo tiempo. A veces comienzo dos o tres y los voy intercalando. Ahora estoy leyendo La Salada, que lo retomé después de los conflictos que hubo. También estoy leyendo un libro que se llama Almendra, que es de un escritor coreano y al mismo tiempo leo uno de Pedro Saborido, Una historia del peronismo”.

Gilda Gili Ratti

Por su parte Mariela está leyendo En busca del cine de weird, Fake you, Impulso de Isabel Santos y Crímenes de aldea de Orlando Van Bredan. A estos le suma que está releyendo los libros Fabulario Buenavista, Segundo fabulario de Buenavista, Lo difícil que es partir de Buenavista y Buenavista capital del sexo, de José Gabriel Ceballos. Entre otros que comentó que tiene cerca suyo.

En la charla telefónica con Flavia Pittella pide paciencia para ordenar mentalmente los libros que terminó de leer en estos días y los libros que está leyendo. “Dame un segundito porque ya me voy a acordar cómo se llama el libro”, desliza y las sonrisas nos invaden. “Estoy leyendo el libro Gritar, arder, sofocar las llamas / Ensayos sobre la verdad y el dolor de Leslie Jamison. Es un libro con pequeños ensayos sobre el concepto de decir la verdad o mentir, de la palabra, del dolor, de cómo lidiar con el dolor y cómo ponerlo en palabras, precioso. Es un libro muy muy conmovedor”. 

“Además terminé de leer La ternura de Paula Ducay. Este texto cuenta la relación de pareja. El libro se llama La ternura y es realmente tierno, es es una historia de amor contemporánea con todas las cuestiones sociales de la época”. 

Flavia es la eterna groupie de William Shakespeare siempre tiene algo para leer de él. Además de su otro gran amor, Stephen King. Este último acaba de publicar un nuevo libro, Never Flinch, “ya lo tengo”, deslizó feliz y comentó que espera este fin de semana sumergirse en esa lectura. 

Periodismo

Gili Ratti (Chaco) es periodista, siempre trabajó en el ámbito de prensa. Ahora hace más de un año que en Diario TAG se ocupa de gestionar y crear contenido en redes sociales. Esto implicó para ella todo un cambio. “Fue un mundo nuevo al comienzo”, agregó, “me tuve que capacitar y aprender el funcionamiento de los algoritmos, el lenguaje de cada red social. A eso tuve que sumarle más conocimiento en periodismo para poder contar las noticias con ese nuevo formato”.

Flavia Pittella (La Plata), es profesora en lengua y literatura inglesas. Hace dieciséis años que hace periodismo cultural. Recuerda que la primera vez que salió al aire en una radio con Ernesto Tenembaum, recuerda que llamó a su mamá y ella le avisó a unos tíos que iba a salir en la radio para hablar de Nelson Mandela y de literatura sudafricana. “Para mí fue una experiencia inolvidable, era un evento único. Hace poco la tía Mari me dijo - vos dices en la radio lo que hacías hace tiempo con nosotros". Claro le digo, recomiendo libros desde que soy chiquita y ahora sigo haciendo eso solo que lo hago en la radio y en distintas plataformas”. Sus espacios son concebidos por ella como pequeñas clases, donde busca seducir a los posibles lectores de que está bueno leer a un autor o a una autora determinada. Con el tiempo Flavia también se volvió una gran entrevistadora.

Mariela Mioni

Mariela Mioni (Corrientes) viene haciendo su camino como periodista en el campo cultural, pasó por la radio y desde hace varios años se dedica al periodismo escrito. Antes de trabajar en diarios fue becaria en el Centro Cultural de la UNNE. Además, hizo un programa radial llamado En Camino, junto a Carlos Quiñonez. “Ese espacio me permitió conocer escritores, periodistas, artistas, músicos, teatreros, gente vinculada al arte. Allí conocí también a Darwy Berti, uno de los decanos del periodismo correntino. Él se volvió un mentor. Durante décadas de amistad me guío con lecturas, me sugirió personas a entrevistar e incluso me animó a escribir, a dejar registro de la cultura correntina en todas sus formas”.

 

Cultura / rentabilidad / oficio 

¿Cómo no hablar de cultura? parece ser la pregunta que atraviesa la pulsión de estas periodistas que sienten que pasan cosas importantes en el ámbito de la cultura. 

“Hay fenómenos artísticos que pasan en Resistencia que convocan mucha gente. Esto de alguna manera refuerza la identidad de la ciudad. Por ejemplo, la Bienal de Escultura, ver el predio colmado de público todos los días, la gente y la interacción con las esculturas, el acercamiento de los artistas, tanto adultos como niños haciendo apropiación del arte”, describió Gili. 

“Para mí - dice - la importancia de la cultura radica en que es el ser y el sentir del pueblo. Es ahí donde se construye la identidad de la ciudad. En el campo cultural se juega todo, cómo nos vemos y cómo nos relacionamos”. 

Desde esa mirada ella construye un trabajo riguroso en el campo donde pueden leerse algunos textos suyos con artistas como Mauro Siri, Nahuel Pennisi, Lisandro Aristimuño, entre otros. “Me gusta mucho la música y es lo que más disfruto, en cualquier género. Me gusta conocer y descubrir. S bien la pintura también me gusta, disfruto mucho la música en sus distintos géneros”, agregó.

Mariela pone de relieve que en el periodismo cultural su valor no se mide en términos de rentabilidad. “Es rentable, sí - sostiene - pero de otro modo: en lo que siembra, en lo que hace visible y en lo que deja para el futuro. Hoy sucede que vivimos en un sistema de medios actual en el que se tornó central contabilizar cuántos clics obtuvo una publicación, además de los algoritmos y las urgencias. En este contexto el periodismo cultural va a contramano: porque producir un material requiere tiempo, contexto, profundidad. No se limita a la inmediatez. Eso en términos comerciales, no “vende”. El periodismo cultural implica una tarea de investigación, interpretación, memoria y sensibilidad que no siempre encuentra financiamiento ni prioridad editorial en los medios”.

A ella le interesa mucho trabajar las zonas grises, los cruces: cuando la literatura se mezcla con la historia, cuando un libro da pie a una crónica o una entrevista se convierte en retrato. En ese marco cuenta - casi como una confesión feliz - que lo que más la moviliza es contar historias”. 

Para ella, como en el decir de Fabián Casas, “lo importante está en los cruces”. “Estoy convencida de que es profundamente necesario hacer periodismo cultural. Hacer periodismo cultural hoy también es una disputa por el sentido, por el relato, por el lugar que ocupan nuestros artistas, nuestros saberes y nuestras lenguas”.

Flavia Pittella 

Flavia Pittella trabajó durante más de diez años con Jorge Lanata. Destacó de ese trabajo varios aspectos pero uno de los más importantes es el espacio dedicado a la cultura. “Soy fanática de Damas Gratis, quiero decir, yo por cultura entiendo todo. Todo es cultura para mí y lo vivo así. Habiendo dicho esto, cuanto vos más leés, mirás, conocés, abrís la cabeza, mucha literatura te vuelve empático porque abrís tu mente. A través de la literatura descubrís que el mundo es más complicado que tu metro cuadrado”. 

“El arte es apertura, unidad, la posibilidad de conectar con vidas y formas de vida distintas. Cuando dejamos de acceder a la cultura nos encerramos en nuestro mundito de cuatro paredes y nos volvemos seres oscuros”, advierte Flavia. “Nosotros que hacemos periodismo además tenemos que salir y preguntar, saber decir no sé y entonces preguntar, preguntar. El conocimiento es lo que nos libera y nos permite tomar decisiones”

Subversivos 

Para terminar tomo palabras de una de las entrevistas. De alguna manera sintetiza el rol del periodismo en este tiempo. Todos los que estamos, vos y yo, los que tenemos espacios de voz y micrófono tenemos que ser muy serios, muy pulcros y cautos. “A la vez tenemos que ser muy subversivos en el sentido real de la palabra, digamos, ir en contra del discurso instalado. Ese es el rol del artista y es el rol del periodista cultural en este momento”, expresó una de las entrevistadas.

Las palabras aquí fueron el camino para acercar el universo de tres periodistas apasionadas por su oficio en distintos puntos del país. Al igual que ellas, y tantos otros y otras, mientras madura el día crece en ellas sus deseos por leer y conocer nuevas historias. Todo esto sucede porque escribir, hacer un posteo e incluso un streaming, también es escuchar.

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David Díaz Marchetto: “Hice este disco para abrir mis horizontes y mostrar nuevas obras”

Este jueves 5 de junio David presentará su nuevo disco Folkloriginal. La cita será a las 21.30 en el Espacio Mariño. En esta charla telefónica el músico habló sobre sus motivaciones y su relación con la danza. “Mí idea fue grabar estas canciones nuevas apuntando a los bailarines folclóricos. Con ellos tengo una gran afinidad y un cariño enorme”, destacó.

 

Por Paulo Ferreyra 

 

El nuevo material discográfico de David Díaz Marchetto contiene doce composiciones originales. El músico en comunicación telefónica explica, “este es el sexto material que hago en mí carrera solista. Después de 30 años ligado casi en exclusivo a la música del litoral y el chamamé en particular decidí hacer este disco para ampliar el repertorio. Ahora busco abrir mis horizontes y mostrar estas obras nuevas, letras y músicas que me acompañan desde hace un tiempo. La mayoría de las canciones las compuse el año pasado”. El disco además salió por el sello Epsa Música.

 

Quienes están cerca de David saben que desde su primera infancia he tocado zambas, gatos, chacareras, pero nunca había grabado profesionalmente estos ritmos. Por ello ahora llegó el momento y decidió hacerlo con obras propias para mostrar que todavía se sigue componiendo temas dentro del cancionero folklórico.

 

“Mí idea fue grabar estas canciones nuevas apuntado a los bailarines folclóricos con los que tengo una gran afinidad y un cariño enorme. Con muchos bailarines he compartido tantísimas cosas y sentía que le debía a la danza folclórica un álbum”, amplifica.

 

Amplios ritmos

 

El disco Folkloriginal trae sambas, chacareras y gatos. Está grabado en un formato típico de la música folclórica, que es voz, guitarra y bombo, también aparece el charango y la melódica.

 

El disco anterior de David, Eterna canciones argentinas fue álbum donde hizo una especie de tributo y homenaje a los grandes autores y compositores de la música nacional.

 

“Lo hice en un formato trovador, guitarra y voz e interpretado autores y compositores como Charly García, León Gieco, Fito Páez, Víctor Heredia, Alberto Cortés, Sandro, Facundo Cabral, Eladia Blázquez, entre otros”, recuerda ahora el músico. “Decidí hacer ese disco para cantar esas obras con las que muchos de nosotros aprendimos a tocar y con canciones que me acompañaron a lo largo de tantos años”.

 

El recorrido musical de David además de presentarse en festivales y fiestas o peñas, también lo lleva por cumpleaños, casamientos, bautismos, fiestas empresariales y juntadas de amigos. En muchos de esos espacios está tocando en formato de guitarra y voz, “en esos lugares además de tocar chamamé y folklore en general, y sobre todo de cantar mis obras también interpreto canciones argentinas”, agregó David para dar cuenta de ese disco que le trajo mucha felicidad hacerlo.

 

Conexión con la gente

 

“La importancia de la canción está en la conexión. Siento que hay una conexión muy especial con el público donde cantamos juntos, donde además de ir a proponer mis nuevas obras, siempre estamos volviendo a las fuentes de las canciones que nos formaron”, agregó.

 

La ampliación del repertorio y la búsqueda constante de David le permite ser escuchado en muchas radios. Esto le abrió puertas para llegar distintos lugares.

 

Dentro de la conexión del músico con el público, también está esa simbiosis con el chamamé. Esta música lo lleva directamente al seno familiar. “Entre los nueve y diez años comencé a presentarme en festivales y peñas en el norte de Santa Fe. Lo tengo presente porque tanto a mí como a mis hermanos, mí papá, que fue quien nos introdujo en el mundo de la música nos transmitió esta música. Siempre nos decía, "ustedes pueden tocar cualquier cosa. Pero considero que lo primero debe ser la música del litoral porque somos del litoral”, dice y su voz sueva firme, afilada y anclada en esa familia que hoy viaja con el cuando desenfunda la guitarra.

 

Encuentro íntimo con la música

 

Este jueves David Díaz Marchetto estará en el Espacio Mariño presentando Folkloriginal. Es un viaje profundo a las raíces musicales de Argentina. A través de doce composiciones originales David ofrece un recorrido emocional que conecta la sensibilidad primigenia de nuestra música con las realidades que atraviesan al pueblo argentino. 

En esta obra aborda chacareras, zambas, gatos y huaynos, estilos que reflejan su esencia y sus orígenes musicales.

 

“Algunas de estas canciones las compuse en el último año”, cuenta. “Es álbum muy particular y querido para mí por porque toda producción es independiente. Hacer un disco independiente lleva un montón de tiempo, esfuerzo y sacrificio. Al mismo tiempo estoy muy feliz de que ya esté el disco en todas las plataformas digitales. Además voy recibiendo la recepción del público y eso es importante”.

 

“Muchos están sorprendidos diciendo, "No sabía que cantabas chacareras o zambas", deslizó David al tiempo que agregó, “la verdad es que me está dando satisfacciones muy lindas y ya empiezan algunos ballets, algunos talleres folclóricos a bailar esas canciones y a enseñar a sus alumnos estos temas. Así que estoy contento con este nuevo hijo musical que es folklore original”.

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Belén Rohde: “El equilibrio personal no depende del entorno”

Este jueves 29 de mayo, llega a Resistencia Ernesto Romeo al Complejo Cultural Guido Miranda. En esta ocasión se presentará en dúo con Belén Rohde, con quien charlamos sobre su disco Preludio. La velada se abrirá con Bardo, y después el dúo Romeo - Rohde tendrá un condimento especial con la poesía de Desiderio Lorenzo.

 

Por Paulo Ferreyra

 

En marzo de este año, Belén Rohde lanzó en distintas plataformas digitales su primer disco, Preludio. Son seis tracks que se escuchan como si estuviéramos en una hamaca paraguaya, un extremo atado a la ciudad de Buenos Aires y el otro extremo en el monte, a orillas del río Negro en Colonia Benítez. El resultado del disco es todo lo que vive entre esos extremos y el centro.

 

“La simbiosis entre la naturaleza y la ciudad surgió a través de algo personal que me tocó vivir”, desliza Belén en esta charla telefónica. Tras la pandemia la artista dejó Buenos Aires y se fue a vivir al monte. “Literal”, subraya y desliza una sonrisa. “Me fui a vivir en una casita a orilla del río. Caía de una punta a otra”.

 

Después de años trabajo, logró materializar su tránsito en un disco, con seis tracks que dan cuenta de su proceso interno. Por medio del piano y los sintetizadores refleja cómo vivió sus pasos y sus cambios. El disco cuenta, a su manera, la transformación del sonido y la emoción de una punta a la otra.

 

A orillas del río Tragadero comenzó su proceso de grabación de audio. Ese paisaje sonoro lo llevaba a Buenos Aires y lo trabajaba en el estudio de Ernesto Romeo, en el estudio de La Siesta del Fauno Records. La naturaleza y los sintetizadores así comenzaron a dialogar.

 

— ¿Cuál fue el primer elemento que encontraste en común entre estos dos mundos distintos?

 

— Mi conclusión, después de que terminó todo este disco y del recorrido que realicé, es que lo que llamo el centro –para mí el equilibrio– no depende tanto del entorno donde vivís. Uno puede sentir equilibrio y centro tanto en Buenos Aires como en la naturaleza más pura, porque también podés estar en la naturaleza y sentir desequilibrio. El común denominador que encontré entre la ciudad y el monte es la búsqueda del equilibrio en una misma, en mi centro.

 

Silencio

 

Sintetizadores analógicos, piano, monte, aves surcando los oídos en estéreo, algo de eso y mucho más se aprecia en Preludio. El silencio y la contemplación. “El silencio definitivamente es parte de la música. El silencio me parece importante en ese momento de contemplación para entender dónde estás. También el silencio es la puerta para escuchar música”, desliza y se vuelve una mueca feliz en una sonrisa que baña sus ojos.

 

Belén estudió música en Buenos Aires. En la facultad donde estudió había un seminario optativo de sintetizadores que lo daba Ernesto Romeo. No era obligatorio, pero a ella le llamó la atención y comenzó a cursar ese seminario. Se volvía a repetir todos los cuatrimestres con el mismo contenido y ella estaba tan fascinada que fue a cuatro seminarios seguidos. El encargado de ese curso era Romeo, quien después la invitó al estudio de grabación y siguieron explorando sonidos.

 

“El transformar energía eléctrica al usar sintetizadores analógicos, parte de cero en la composición del sonido y eso es algo muy hermoso”, explica Belén. “El sintetizar es como un espejo humano. De alguna manera siento que nos desvinculamos de lo que es inorgánico como si no fuera parte de nosotros mismos. Nosotros somos naturaleza y al mismo tiempo creamos y usamos la energía eléctrica. El concepto que trae Ernesto con los sintetizadores es justamente ese, donde lo natural y lo inorgánico conviven, porque quién puede o dónde puede estar una línea que divida estos espacios”.

 

“Un espacio de autosanación”

 

La música le enseñó muchas cosas. Volvemos a las palabras iniciales donde ella afirma que su primera conclusión en todo este proceso de crear música fue descubrir que el centro –su equilibrio personal– no dependía del entorno.

 

“El sonido es frecuencia y la frecuencia resuena en el cuerpo. Hay estudios sobre la sonoterapia a través de los cuencos tibetanos. La autosanación habla de lo que pasa cuando estoy tocando y eso repercute automáticamente en mi cuerpo, en mi persona y en mis emociones. Es una especie de círculo. En la música encontré un espacio de autosanación muy profundo, que va más allá de buscar el virtuosismo, sino encontrar la frecuencia que resuene conmigo en ese momento”.

 

La música de Belén Rohde se puede escuchar en distintas plataformas. Está su disco Preludio, y también grabó con la productora Chaco Suena Bien, Yhip Chaco. Escucharla es un viaje. Es un viaje que va horadado por la naturaleza. Aunque podamos escuchar el mismo tema una y otra vez, siempre será distinto. La música y nosotros ya no somos los mismos.

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Lefi Ramírez: “La poesía es un lugar para ir conociéndome”

La poeta chaqueña acaba de publicar el libro El día que quemé todos mis cuadernos, por la editorial Halley. En esta charla desentrañamos algunos aspectos de su escritura y parte de su recorrido literario. “Acá en Chaco soy extranjera. Allá en Buenos Aires con Punto Bardo juego de local”, comentó.

 

 

Por Paulo Ferreyra

Foto - Vicky Aranda

 

Ella es de Barranqueras. Un lugar con historia, con río y paisaje ensanchado desde la pulsión de las palabras. Tiene un primer libro publicado bajo el título de Rameira, en coautoría con una reconocida periodista del medio que firmó ese libro bajo el seudónimo de Soledad Pentenero. Ese primer libro había sido impulsado, curado y cuidado por el poeta Luis Argañarás.

 

“Para mí la poesía te tiene que conmover”

 

Aquella experiencia fue hace varios años, Lefi aún era muy joven, pero el universo literario comenzaba recién abrirse ante sus ojos. Los modelos que había en ese momento eran muy masculinos, recuerda. No es como en el presente. “El feminismo abrió muchos frentes, uno de ellos fue la jugada para que muchas mujeres puedan mostrar sus textos y se animen a publicar”, expresó convencida.

 

Ciclos de poesía

 

La escritora Valeria Tentoni en una entrevista manifestó que la poesía es un modo de estar en el mundo, es como ser de un equipo de fútbol. Hay ahí un sentido de pertenencia a una comunidad o a lo que Valeria llama equipo. Lefi Ramírez escribe poesía desde hace tiempo. Sin embargo, en todo tiempo hay un quiebre donde las prácticas se intensifican y salen a la calle.

 

Ella hace tiempo que escribe. “Me recuerdo siempre escribiendo”, agrega. Pero sus impulsos se acrecentaron cuando comenzó a incursionar en los ciclos de Pan Poesía en Corrientes. Este ciclo tiene su par en la provincia del Chaco con Charco Poesía.

 

Su participación en los ciclos de poesía y la publicación de esos escritos en redes sociales le fue abriendo camino para la difusión. “Me amigue con el mundo de las redes y así me hice conocer. Cuando fui al primero ciclo de poesía oral me encantó el ambiente. Ahí te respetan y te escuchan. Las cosas que leían los poetas se acercaban mucho a lo que a mí me mueve de la poesía”, añade.

 

“Para mí la poesía te tiene que conmover”

 

Hace dos o tres años cuando Lefi Ramírez comenzó a participar de los ciclos de poesía estaba horadada por un duelo. Así que se puso a escribir sobre lo que la estaba atravesando. “Nadie entiende lo que es ver a la persona que vos querías ir de este mundo. Nadie entiende eso. No escribía en modo de diario, sino buscando decir lo que estaba viviendo de manera poética”, explicó. “Escribir sobre el duelo fue ponerle el cuerpo a la palabra en toda su dimensión”.

 

Formación

 

A la hora de comentar sobre su formación comentó que durante los últimos años se ensanchó mucho. Pero antes de nombrar a las o los preferidos pone los límites. “No me gustan los poetas encumbrados. Las frases simples de posteos en Instagram y mucho menos  Nicolás Andreoli. Habrá gente a la que lo conmueve. Pero esa es una poesía estandarizada y a mí conmueve", dice.

 

Volviendo a Valeria Tentoni, Lefi es del equipo de la poesía oral. “Me fui integrando a la comunidad de la poesía oral. En el Ciclo Pan Poesía escuché cosas increíbles. Las voces que escuchaba acá en Resistencia no me conmovían. Hace veinte años que estamos en el mismo lugar. Los premios y los reconocimientos son para las mismas personas. El circuito siempre es muy cerrado. En cambio la poesía oral me permite jugar, leer y escribir con mucha libertad”.

 

 

Impulso a libro

 

“Escribo la poesía como me sale”, advierte Lefi. Sin embargo, tiene presente su paso por varios talleres literarios con Nina Ferrari, Franco Rivero, Mariano Quirós y una lista que se ensancha y que tiene su destacado con Julián Cavallaro.

 

Hace unos años el poeta Franco Rivero hizo un taller presencial en Resistencia. Ahí asistió Lefi y se encontró con la amorosidad del poeta correntino. “Él vio en mis palabras algo. Él codirigía una editorial en ese momento y quería publicar mi primer libro. Lo empezamos hablar e incluso avanzamos bastante. Teníamos nombre para ese proyecto, el más interesante era Cumbiar el duelo. Pero ganó Milei y todo se tiño de gris. El proyecto quedó trunco”.

 

“Hacer clínica de obra me parece hermoso hacerlo porque necesitas la mirada de otra persona. Hay un proceso de escritura donde por momentos no tenés criterio para leerte. Fui pasando por diferentes poetas hasta que me crucé con Julián Cavallaro. Julián de alguna manera me empujó a publicar este libro - El día que quemé todos mis cuadernos, por la editorial Halley. Somos varias las poetas de distintos puntos del país que fuimos impulsadas por él a publicar, “somos las chicas cavallaro”, desliza y finalmente suelta una sonrisa.

 

Este primer libro de poesía de Lefi Ramírez está atravesado por el duelo, el río y la identidad. “Todo sale de mi propia vos y no le copio a nadie. Soy estas palabras”, destaca al tiempo que agrega, “los talleres me ayudaron a socializar mucho con otras personas. En la poesía hay lugar para que juguemos todos. El tema es qué busca cada uno dentro de ese juego”.

 

“Acá en Chaco soy extranjera. Allá en Buenos Aires con Punto Bardo juego de local”.

 

“Este hijo poético vino bien”, desliza mientras mueve el libro entre sus manos. Todo el proceso fue muy rápido. En febrero había llegado la prueba de galera, después llegó la firma del contrato y el lanzamiento de la preventa.

“Para mí la poesía te tiene que conmover. En el libro hay poemas que tienen varios años y sin embargo me veo ahí, soy en esos poemas. En esos textos está mi lucha personal. Siento que no me defraudé y eso es importante. Estoy en un libro”.

 

"Lo más honesto que hice por mí está escrito en el libro”, subraya Lefi y vuelve, “lo más honesto que hice por mí está escrito en el libro. En la palabra es el único espacio donde nadie me saca ni el nombre ni la identidad, menos mi forma de ser. La poesía es un lugar para ir conociéndome”.

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María Teresa Andruetto: “La literatura es una de las formas más potentes de la memoria”

Su más reciente libro, Como si fuesen fábulas, es una colección de relatos donde se sumerge en la complejidad de la vida humana. Empatía, bondad, ternura, alma, memoria, son algunas de las cuestiones que despierta su lectura y que abordamos en esta charla telefónica.

 

 

Por Paulo Ferreyra

 

Dice Circe Maia “todo está fuera / nada queda dentro./  Tú mismo estás afuera, a medio hacerte / a medio construir, como esa casa llena de andamios. / Lo más hondo no es íntimo: está afuera”. Probablemente mucho antes de que le lleguen a María Teresa Andruetto este poema ella ya vivía así, con esta convicción y con esta certeza. “Lo más hondo no es íntimo: está afuera”.

 

En Córdoba hay un programa radial que se llama Nada del otro mundo. Ahí Teresa tiene una columna semanal. En esta charla nos cuenta sobre sus columnas y sobre los temas que más la apasionan.

 

— ¿Cómo fue hacer esta selección de textos de las columnas radiales para pasarlas al formato del libro?

 

— Hace nueve años que hago estas columnas radiales. De estos nueve años hace seis años que las hago por escrito y las grabo. Al comienzo tomaba apuntes y salía al aire. Pero después decidí escribir, grabar, enviar al programa audios que estuvieran pulidos y muy cuidados.

 

A esto hay que sumar que siempre tengo demandas de las editoriales para publicar. La editorial Random House sabía que hacía estas columnas radiales. Así que armé para ellos una selección que tuvieran que ver con un eje determinado: los otros, la otredad, los bordes sociales, los márgenes, la infancia, la pobreza, los pueblos originarios, las mujeres, el arte, algo de todo eso.

 

Elegí algunas de las columnas y comencé a pulir el texto porque iban al formato del libro. No es la primera vez que hago esto. Tengo un libro en España que se llama ¡Mujeres, Mierda! son también crónicas donde en ese caso todas tiene relación con las mujeres. Tengo una cantidad de textos sobre diferentes cuestiones siempre es un cruce entre ciertos intereses sociales y los libros que he leído, las películas, el arte que he visto.

 

— En la lectura se percibe que no te limitas a contarnos algo, entras en cada historia, ¿que sucede para que te involucres de esa manera?

 

— Si, es la esplendorosa empatía con el otro. Siempre el origen es la emoción, algo que me conmueve, una información, una escucha, una imagen o una frase que me conmueve. Desde ese lugar voy alimentar esa conmoción buscando más información, voy a la biblioteca y rememoro lecturas.

 

En distintos momentos se despiertan los recuerdos de lecturas y me parece que eso puedo sumar a lo que estoy por escribir. A veces va y a veces no va, pero el mismo interés me va llevando a enlazar una cosa con otra.

 

Por decirte una cosa, veo una noticia donde se revela la cantidad de soldados mapuches que fueron a Malvinas. Eso me hizo pensar de quién es la Patria. Esta cosa que tanto hemos escuchado, que ciertos grupos no son patria porque son indígenas o por son chilenos. Entonces pienso en todas estas cosas que me han llegado en distintos momentos de la vida y de la historia. A la pregunta, ¿de quién es la patria? ¿es mía? ¿es solo mía? ¿es de muchos? Desde ese lugar pienso cuánto pusieron otros por la patria. Sobre esa empatía está mi eje.

 

Después hay un trabajo de escritura muy grande y muy intenso. Por ejemplo, hay una larga lista de nombre de esos soldados mapuches. Eso puede verse quizás como un simple listado de nombres y sin embargo trabajé mucho y lo di vueltas para que tenga una sonoridad determinada. Los apellidos son reales, los nombres de los soldados que fueron a Malvinas son reales, pero el modo en que están colocados, por empezar están en orden alfabético y dentro de ese orden fui haciendo reubicaciones para que leído sonara como una música, como una intervención poética. Este es un trabajo de escritura que hago con el material que tengo.

 

Pero lo mismo que me produce empatía me hace ir a una cierta revelación. Hay algo que estaba oculto y ahora se muestra, se revela. Estas cosas se me van apareciendo ante mí y como me aparece busco la mejor manera de escritura para compartirlo con otro.

 

Ternura y bondad

 

La escritora Annie Ernaux dice que un libro puede contribuir a cambiar la vida, romper la soledad y a pensar de otra manera. Como lector me pasó que terminé de leer el libro y pensé en la ternura, en este contexto social es muy poderoso. Al respecto Teresa Andruetto dice que es algo que ya le han dicho no solo de sus crónicas, sino también algo que está en sus poemas, en los cuentos y en las novelas. Sus puentes, en el decir de Circe Maia “pero ahora y aquí y mientras viva / tiendo palabras - puentes hacia otros”.

 

Teresa hace silencio. Es breve y suficiente para escuchar su respiración. “Tengo un deseo profundo de entender al otro”, reflexiona. “El camino por buscar entender al otro tiene que ver con la ternura. Esto lo pienso mucho en este tiempo. Pienso en la ternura y en la bondad, en la importancia de la bondad. Es una palabra un poco antiguo si se quiere, un concepto que olvidamos, como si no fuera suficientemente prestigiosos como otros conceptos. Sin embargo, cuánto necesitamos de la bondad, de la dulzura, de la ternura, de la consonancia con el otro. Siempre lo necesitamos pero particularmente en este tiempo tan duro”.

 

Hay algo aquí profundamente personal. Cuenta Teresa que cuando era joven trataba de disimular un poco esta forma suya de conmoverse por el otro.  Trataba de encubrirlo porque no era algo bien visto, algo que no se asocia por lo general con la inteligencia. Es como si las personas inteligentes tuvieran que ser personas desprendidas de los afectos.

 

“Hoy puedo vivir con ambas cosas”, revela. “Vivo con el intento de intelegir y vivo con el intento de estar próxima al otro. Sobre todo al otro que sufre, a lo mejor sufre más que uno o aunque uno también tenga su cuota de sufrimiento. Porque como dice el escritor norteamericano James Baldwin, “el sufrimiento tiene el número de teléfono de todos”.

  

Memoria y poesía

 

— Otra de las cuestiones que atraviesan el libro es la memoria, ¿por qué te interesa tanto?

 

— La memoria atraviesa toda mi obra. Para mí la literatura es memoria. La literatura es una de las formas más potentes de la memoria de los pueblos. Una memoria que no es oficial, que no es rígida, cerrada, sino que las memorias puestas en las bocas, en las mentes, en los corazones de cada uno de nosotros.

 

Ante ciertos dichos tenemos zonas de memoria en común y también tenemos zonas de memoria singulares, matices diferentes entre diferentes personas que vemos o sufrimos un mismo hecho.

 

Para mí la literatura es memoria. La identidad es memoria.

 

Entonces hay un camino de búsqueda. Pienso mirando hacia atrás, pasando los setenta años que tengo y mirando mi propia vida, me pienso más allá de la escritura. He dedicado mi vida hacia la búsqueda de una memoria individual. Esa búsqueda de la memoria y de la identidad individual se da en el encuentro con una identidad y una memoria social.

 

— y esa memoria como una maestra.

 

— Claro, que nos enseña. El pasado que se pone de pie. Esa memoria del pasado que se pone de pie y que va como dicen algunas comunidades indígenas, esa memoria que adelante de nosotros para que no olvidemos. En este momento en el que estamos donde hemos olvidados tantas cosas, tantos derechos, tantos modos y aprendizajes

 

— tantas conquistas

 

— Tantas conquistas olvidadas. Están olvidadas porque van a surgir. Esa memoria que haga que el pasado venga a ponerse ante nuestros ojos para llevarnos y marcarnos un rumbo.

 

— Te llevo ahora a otro tema que también atraviesa el libro, ¿qué es la poesía?

 

— La poesía es la madre de todas las escrituras. No solo de la mía sino de todas las escrituras. Leo mucha poesía. En este libro hay crónicas de hechos reales todos, pero a la hora de escribir hice un trabajo con la lengua muy fuerte. Hice eso para que esa lengua resuene de algún modo poético.

 

Además leo, soy una intensa lectora de poesía, entonces dos por tres la asociación de lo que sucede se une a un poema que recuerdo. La poesía está presente en sus dos caminos, por un lado en lo que hace a mí como lectora, alimentando mi vida, mi escritura, mi sensibilidad. Por otro lado está presente en mi proceso de escritura porque escribo y leo en voz alta lo que escribo. Escucho como suena y si no me gusta como suena voy haciendo toques y retoques. La escritura es música para mí.

 

 

El alma de los textos

 

Cuando se realizan charlas telefónicas no hay forma de ver los gestos de la entrevistada. Pero la memoria si guarda la mueca feliz que la llevó a una sonrisa, un pequeño rayo que la sacó de las palabras a mover los labios en otras direcciones.

 

Una de sus crónicas del libro se titula El alma. Así que trasladé una pregunta que atraviesa ese texto y le pregunté a Teresa Andruetto dónde está el alma de lo que hacemos. “El alma es muy escurridiza", deslizó y ahora éramos dos sonriendo distendidos. Una sola mueca feliz en rostros lunares.

 

“Ninguno de los asuntos que están en el libro me son indiferentes. No son cuestiones de saber algo, de aprender algo, de transmitir un conocimiento. Esa pregunta que vos me haces ahora, ¿dónde está el alma de lo que hacemos? La respuesta es la empatía, en esa consonancia con el otro, en un deseo profundo de comprenderlo, de comprender el lugar que tuvo, que tiene, de qué está hecho, por qué actuó de esa manera y no de otro, lo humano más profundo y singular”.

 

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Laura Quiñones: “Este festival nació para visibilizar el trabajo de los artistas autogestivos”

Hace una semana se realizó en Corrientes el Primer Festival de Teatro Independiente del Espacio Mariño. Hubo propuestas de arte local, de Chaco y Misiones. El equipo conformado por Sergio Niz, Laura Quiñones, Inés Silvero armó una grilla potente durante cuatro días hubo funciones, talleres y conversatorio. Aquí charlamos con Laura, con Gera Barrientos (Corrientes) y con Germán Lenguaza (Misiones). El lema del festival fue – “el arte también es trabajo”.

 

Por Paulo Ferreyra

Fotos gentileza Ivanma Carb

 

El Espacio Mariño se vistió de fiesta el fin de semana largo. El pasado jueves 1º de Mayo comenzaron el día del trabajador con el Primer Festival de Teatro Independiente. “En realidad nosotros siempre fuimos sede de otros festivales, pero no habíamos organizado nosotros propio festival. Hace muchos años teníamos el Festival Siete Puntas, este era organizado por el grupo de Teatro del Guarán. El año pasado comenzamos a trabajar en esta idea que se hizo realidad de tener nuestro propio festival de teatro”, comentó Laura Quiñones.

 

Los organizadores comentaron además que hace tiempo que reciben propuestas de obras que quieren presentarse en la sala de la Biblioteca Mariño. “Hay muchas propuestas de teatro en la región”, destacaron. Además armaron el festival pensando en el fin de semana largo para que haya una propuesta teatral importante en Corrientes. De esta forma el espacio fue escenario de funciones, talleres y conversatorios.

 

Funciones

 

La programación incluyó las obras Variaciones Meyerhold (Teatro del Guarán – Corrientes), ¿Y su oficio? (Pez Dorado Teatro – Corrientes), Hijo del monte (Germán Lenguaza – Misiones) y Moro & Elvis (Teatro Musical - Chaco). Laura Quiñones destacó que “este festival nació para visibilizar el trabajo de artistas autogestivos del litoral y también para abrir la escena a nuevos públicos”.

Gera Barrientos 

 

“Profundizar en la comicidad que está en cada uno”

 

Gera Barrientos participó de este festival con su obra ¿Y su oficio? Comentó que la obra surgió de un deseo propio por indagar algunas técnicas con la que se estaba formando hace seis años. Había ganado una beca de formación del Instituto Nacional de Teatro en comedia física, clawn y comedia del arte. La formación duró dos años. “En ese tiempo los profesores Julia Mucio y Jorge Costa de Buenos Aires hicieron hincapié en la dramaturgia del intérprete. Es decir, profundizar en la comicidad que está en cada uno”, eso fue importante en su formación.

 

En ese contexto de formación Gera empezó a indagar y a buscar por donde pasa la comicidad corporal de cada uno, de dónde viene, qué le hace reír a la gente que está en su entorno. Atento observador y prolijo anotador, fue registran y se puso receptivo a lo que pasaba con el humor en su entorno. Después de terminada la beca siguió hurgando estas cuestiones.

Gera Barrientos 

 

La infancia de Gera juega un rol importante aquí en su historia. Comentó que su niñez estuvo marcada por dos personajes que lo llamaban mucho la atención, uno era Nocaut Gonzáles y otro un señor que hacía de inspector de tránsito en la Plaza 25 de Mayo de Resistencia.

 

“Nocaut Gonzáles tal como dice la canción iba dando piñas por la calle a su sombra. Cuando era niño y jugábamos a la pelota en la calle, ese personaje nos daba un poco de miedo. Nunca nos hizo daño, pero nos generaba miedo. Nosotros jugábamos a la pelota en la calle, cuando lo veíamos venir lo dejábamos pasar. Después que pasaba seguíamos jugando a la pelota. Lo recuerdo con su traje gris, de hecho, el primer personaje de la obra está inspirado tanto en Nocaut Gonzáles que se viste con traje gris”, desliza y su sonrisa me remonta a la obra, parado solo en el escenario, caminando de un lugar a otros y sus ojos ocultos.

 

Él escribió su obra. La dirigió un amigo suyo desde Buenos Aries. Fueron extensas horas de videollamadas, recuerda. En una parte de la obra el actor hace participar al público. Sostiene que ahí interviene la técnica del clauw que invita al público a ser cómplice de la obra. Desde su estreno en el 2022 ya lleva más de cincuenta presentaciones. Ganó el Festival Provincia de Teatro de Corrientes y desde entonces no ha dejado de pisar diferentes escenarios.

 

“Cuando se abre el telón veo una nueva oportunidad para jugar. Varias generaciones a raíz del tema de la obra se ponen a pensar y conversar sobre sus oficios. Eso para mí ha sido y es importante”, cuenta y su voz se vuelve más pausada, reflexiva. “Que una obra de teatro genere puntos de conversación es un montón”, subrayó.

Germán Lenguaza 

 

 

“Es difícil abordar el tema de la muerte pero es necesario”

 

Germán Lenguaza llegó desde Misiones con la obra El hijo del monte. Esta es una obra inspirada en una pieza del escritor Horacio Quiroga. “Lo que más me sedujo de Quiroga es su vivencia en la provincia. El contexto de la selva y las cosas que le pasan a los personajes son reales”, arremete. Su voz llega pletórica de fascinación. Por momento los misioneros somos tan fanáticos que si nos parten en dos brotará de nosotros la sangra del color de nuestra tierra.

 

La historia cuenta que un padre deja a su hijo que se vaya al monte. Hay un pequeño diálogo donde solo le pide que vuelva para la hora de comer. El resto del tiempo – cuando el hijo no vuelve a la hora convenida – se desata los pensamientos del padre. Germán investigó para poder hacer esta obra, desde Posadas viajó a San Ignacio donde hoy se encuentra la Casa Museo de Horacio Quiroga.

Germán Lenguaza 

En el trabajo inicial colaboraron con Germán en la dirección y realización Carli Bastarretxea, Daniela Ázida en pintura de la escenografía, Marco Salazar en el universo sonoro, Fabiana Lenguaza en los diseños de flayer. “Daniela pintó la escenografía con la que hoy voy girando con este unipersonal. La música, el sonido de pájaros y grillos es una obra maestra de Marco Salazar”, amplia.

 

La puesta de esta obra teatral – El hijo del monte juega con varios lenguajes, títeres, relatos, plástica y música. Fue estrenada en el 2017. Germán ha llevado la obra por plazas, colegios, salas de teatro, en el Primer Festival de Teatro Independiente de la Mariño lo hizo en el Patio. Donde hubo niños sentados en el piso atentos a los movimientos del actor.

 

Germán lleva hasta la fecha más de cien presentaciones con esta obra. Este fin de semana estará en Formosa, volverá a misiones y para mediados de año visitará Chaco, Santiago del Estero y Tucumán.

 

Dada las características de la obra no está pensado para infancias. En los colegios lo hace con alumnos de 7° grado en adelante.  Aunque advierte que los niños son inteligentes y con ellos se pueden abordar muchos temas.

 

“Abordar la muerte y más aún abordar la muerte de un hijo y todo lo que eso conlleva no es sencillo. Nos pasa que alguien que ha visto la obra y se encuentra después pensando en la muerte, la pérdida de alguien cercano o no tan cercano. Es difícil abordar el tema de la muerte, pero me parece preciso y necesario”, reflexiona el actor al tiempo que vuelve sobre sus palabras.

 

“El teatro permite abordar y visibilizar cuestiones que están ocultas y que a veces no son cotidianas a la hora de abordar un tema entre pares o en el entorno familiar”.

 

“Cada vez que ensayo la obra en soledad. Cada vez que se abre un telón para representarla me pasan un montón de cosas. Pienso en la muerte desde la chispa profunda del imaginario y la literatura. Un poco me escudo en que en el cuento no está definida la muerte. Podría ser una alucinación del padre. Nunca vi un final tan redondo como las obras de Horacio Quiroga”, subraya.

 

“Nuestra respuesta ante el presente es – hacer”

 

El Primer Festival de Teatro Independiente del Espacio Mariño contó con propuestas locales, a las que se sumaron obras de Chaco y Misiones. Laura Quiñones, parte del equipo organizativo destacó el lema del presente festival – El arte es trabajo. “Jugamos un poco con el día del trabajador, pero también para poner de relieve que estamos haciendo arte y trabajamos. Tuvimos un conversatorio sobre el trabajo en la cultura donde reflexionamos cómo estamos hoy y qué desafíos se plantean ante la realidad que vivimos. Nuestra respuesta ante todo es - hacer. Así que apostamos hacer el festival y ya tenemos muchas ideas para el próximo año. El público nos acompañó y eso también es importante”, expresó.

 

Germán Lenguaza agradeció la invitación de los organizadores. “Una obra tiene que recorrer bastante camino para poder llegar a un festival. Haber sido seleccionado es un orgullo muy grande. Además ser tallerista y que los organizadores confíen en mí para que pueda dar un taller también es gratificante”, manifestó.

 

“Esta presentación en Corrientes me iluminó un montón. La comunidad del espacio Mariño trabajando en un tiempo donde es más fácil decir no lo hacemos porque no hay plata ellos se ponen firmes y organizan un festival. Ya me puse a disposición para colaborar en lo que pueda para la próxima edición porque me impactó ver tanta gente trabajando en el espacio. Fueron muchos días, el domingo estaban cansados pero tenían la mejor sonrisa”.

En la misma sintonía Gera Barrientos también se mostró feliz por ser parte del festival. “Las funciones en la Mariño se dan en un entorno muy familiar, con un lindo clima y es algo muy festivo. Siento que el fin de semana intentamos ser comunidad, pasamos un momento junto, hubo una diversidad de talleres y de obras. En este contexto que vivimos estar en comunidad, sentirse parte de un colectivo y estar acompañado es importante. Este espacio se necesita y ojalá el público siga involucrado con la cultura”.

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