Denise León: “Los temas en la poesía te encuentra y te habitan”

 

Esta semana llega a Resistencia la gran poeta tucumana Denise León. La cita es en el marco del Festival Mulita donde ella participará de la mesa ¿De dónde venís? Orígenes, identidades, la eterna incertidumbre. En esa mesa estará junto a Julia Coria y Alicia Genovese. En esta entrevista hablamos de poesía, de festivales, de cómo escoger algo para leer hasta su reciente publicación, De muerte ke no manke. Esta es una plaqueta que comparte con Chus Pato dentro de la colección Distancia Iluminada de la editorial La Ballesta Magnífica.

Por Paulo Ferreyra

“Desde el principio me interesa mucho participar de la experiencia de festivales en distintos lugares del país. Porque en estos espacios una se conecta con los poetas de otros lugares y también con la gente de estos espacios tan distintos. Una entra en contacto con gente que están leyendo cosas distintas, que están pensando cosas distintas y que se nuclean en torno a la poesía como si fuera un fuego. La poesía es un fuego”, así comenzó la charla telefónica con Denise León y no pudo ser más incendiaria, “la poesía es un fuego”.

Durante la charla comentó que había escuchado y leído de la existencia del Festival Mulita. Denise León (Tucumán, 1974) es poeta y ensayista. Se doctoró en Literatura Latinoamericana en la UNT. Ha publicado libros como Poemas de Estambul, El trayecto de la herida, El saco de Douglas, Templo de pescadores, Sala de espera, Poemas de Middlebury, Mesa de pájaros, Árbol que tiembla y Nostalgias del Imbat. Poesía Reunida. Además sus poemas han sido traducidos al japonés, al polaco, al inglés y al portugués.

Ahora llegará en unos días para participar del Festival Mulita. En esta edición en el Festival habrá poesía, narrativa, música y teatro, baile y pensamiento. Serán tres jornadas, la primera el jueves 15 en el Cecual; y las restantes —viernes 16 y sábado 17— en el Club Social de Resistencia. “Estamos orgullosas y orgullosos de este Festival, por el espacio alternativo que ofrece para las editoriales, para poetas y escritores, y para las y los artistas que se comprometen, que lo disfrutan y lo hacen suyo”, celebró Noe Carbó, que junto a Maia Bradford, Pablo Black y Mariano Quirós llevan adelante la organización.

“Cada libro es una especie de cuerpo”

— Este año participaste del festival de poesía de Medellín, ¿cómo viviste esa experiencia?

— La verdad es que la viví casi como un sueño. Es un festival increíble, el festival de Medellín lleva más de 30 años. Es una maquinaria que mueve muchísimas personas. Hay más de 100 personas atrás de la organización del festival.

Pero además, es un festival particularmente cálido. Para mí ha sido increíble ver la cantidad de personas que asisten a las lecturas, la atención con la que escuchan, el cariño con el que se acercan y la manera en que interactúan con los poetas. Porque no es que te escuchan en silencio, sino que intervienen, comentan, se ríen, participan, te dan palabras de aliento, aplauden espontáneamente o te dicen cosas.

Es un festival que tiene un espíritu propio muy conmovedor. Por supuesto que el público crea el festival pero el festival también va creando a su público.

El festival lo va de alguna manera educando, preparando, le va ofreciendo ciertos caminos. Por ejemplo, había lecturas en librerías, pero también había lecturas en plazas públicas, había lecturas en parques, había lecturas en municipios en medio de la montaña donde la gente te recibía, te hacía probar café que producían y te escuchaban con una atención y con una devoción especial.

Fue una experiencia maravillosa.

— Teniendo tantos libros publicados en tu caso, ¿cómo fue elegir qué leer?

— Siempre es difícil decidir. Siempre. Por lo general tengo la sensación de que cada libro es una especie de cuerpo y cuando te dicen - A ver, elija tres poemas. Cuando haces eso estás cortando un dedo, un pie, un pedazo de brazo, es muy difícil decidir qué leer. A mí me pasa siempre algo y aquí me remito a mi abuela que tenía una frase que siempre la recuerdo - Cuando vos lo querés hacer reír a Dios le tenés que contar tus planes.

Entonces, siempre voy con algo planeado y a último momento cambio.

Cambio completamente de idea y abandono el plan. Esto tiene relación en cuanto a lo que percibo en el público, el ambiente que cada vez es diferente y es único, ahí puedo elegir los poemas o los textos que me parece que pueden funcionar. De todos modos sabemos que algo que ha funcionado en alguna lectura no necesariamente va a funcionar en otra. La poesía tiene estas cosas.

En mi caso creo que la poesía es del presente. En el momento en el que lo estás leyendo el poema es. Entonces no puede ser de la misma manera si el público es distinto, si el lugar es distinto, si vos estás distinto. Si había armado un plan previo la verdad es que lo desarmé.

— Dentro de esa misma arena movediza podés y igual tengo que preguntar, ¿qué vas a traer al Festival Mulita?

— Estoy preparando con entusiasmo algún material para llevar y para compartir con la gente. Acaba de salir unas plaquetas que ha sacado la editorial La Ballesta Magnífica. Es una editorial independiente del Delta de San Fernando. Están editando una colección que se llama Distancia Iluminada donde hacen plaquetas doble o bifronte. De un lado hay una escritora argentina y del otro lado hay una escritora española. En el caso mío estoy contentísima porque me ha tocado el lujo de compartir plaqueta con Chus Pato, que es una poeta gallega que admiro muchísimo y tenemos en común que escribimos en lengua minoritaria. Así que algo de eso me gustaría llevar para compartir en el Mulita.

“El lenguaje estalla en pocas palabras”

Denise León afirma a menudo que la poesía tiene múltiples sentidos. “Sucede que en el poema tenes en pocas palabras una explosión del lenguaje. Es como si explotara una granada en la mano y así el lenguaje estalla en pocas palabras”, sintetizó. Esta característica de la poesía le genera un nivel de sorpresa y emoción muy grande.

Durante la charla mencionó cuales son sus referentes, aquellas poetas que están al alcance de su mano siempre. Por ejemplo Mirta Rosenberg, de quien dijo que le parece maravillosa y no solo maravillosa sino que es una poeta que la acompaña a pensar y a escribir. En la misma sintonía esta Tamara kamenszain, quien le abrió las puertas a la poesía norteamericana escrita por mujeres. 

“La poesía norteamericana escrita por mujeres me ha demostrado que se puede escribir sobre cualquier cosa. Ahora mismo estoy releyendo un libro de Marie Howe que se llama Lo que hacen los vivos. Me vienen ahora otros nombres, Sharon Olds, Elizabeth Bishop o Syilvia Plath”, sintetizó. 

“La maquinaria centralista funciona pero tratamos de desmontarla”

— ¿Cómo ves esta relación - si es que existe - entre los poetas de las provincias?

— Vos habrás escuchado ese dicho, no sé quién lo dijo, de que muchas veces los poetas no se leen entre ellos sino que se vigilan. Eso es muy cierto. A mí me preocupa cuando voy a veces a lecturas de poesía y hay más poetas leyendo que gente escuchando.

A mí como poeta me interesa mucho conectar con la gente y abrirme.

La poesía no tiene que ver con la urgencia sino todo lo contrario. De hecho detesto que me apuren. Creo que es posible construir conexiones y que esas conexiones se van construyendo con el tiempo. Por ejemplo, inesperadamente durante la pandemia fui a parar a un grupo de escritoras patagónicas. 

— Te fuiste a la otra punta del país.

— Si, imaginate. Para que existan estas conexiones tiene que haber una voluntad. Tiene que haber una voluntad de construcción y en mi caso la posibilidad de haber estado en distintos festivales del país. Todo eso permite armar una red.

Conectar te permite saber qué está pasando en otros lugares del país, conocer además qué y cómo están leyendo determinadas cuestiones. A mi me parece que esos puentes se están construyendo -  las editoriales independientes están trabajando en eso, los festivales están trabajando en eso, muchos poetas y muchas poetas están trabajando en eso. Sin embargo todavía nos falta.

Nos falta en el sentido de que seguimos teniendo más información de lo que pasa en Buenos Aires de lo que está pasando ahora mismo en Chaco o Corrientes. Hay todavía algo de esa maquinaria centralista funcionando que estamos tratando de desmontar.

“Me considero una especie de animal rumiante”

Como en cada poema Denise León se abre de par en par. Durante la charla recuerda que su mamá era una persona muy desmemoriada que la dejaba olvidada en el colegio, en la casa de los amigos, se olvidaba su cumpleaños. Era muy desmemoriada pero si Denise la llamaba desde cualquier lugar su madre reconocía su voz. Esto trasladado a la poesía es también tener un  tono de voz propia y que los lectores identificamos como la voz propia. Denise trabaja en ese sentido y sus lectores - casi igual que su mamá - identificamos su voz propia en la poesía.

La memoria está presente en su poesía y percibo que la naturaleza juega un rol importante. Ella advierte que los temas en la poesía “te encuentran y te habitan”. Por ejemplo, un libro de una poeta norteamericana que hace un par de años ha ganado el Nobel, Louise Glück, tiene un libro maravilloso que se llama El iris salvaje donde todo pasa en un jardín.

“Esa idea de Louise que me parece poética en sí misma. Me parece maravillosa”, agrega. “Todo puede pasar en un jardín. La crueldad, la felicidad, la vida, la muerte, el crecimiento, los encuentros sorpresivos, las estaciones, la melancolía, en fin, la vida y la muerte”.

“Me considero una especie de animal rumiante”, afirma y sonríe, mientras su voz llega alegre, festiva, reflexiva. “Una de mis obsesiones es la cuestión familiar y la genealogía que están plasmados en Árbol que tiembla. Un libro que es medio indefinible porque no se sabe muy bien qué es, porque es una especie de diario y no es, es narrativa y no es, poesía y no es, o sea que se mezclan los vivos con los muertos como suele ser. Un Árbol que tiembla por que una tiembla de emoción y también de miedo. Porque sigo dando vueltas en torno a la genealogía y porque hay muchas preguntas sin respuesta. Eso es interesante y es el motor para seguir escribiendo”.

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Juan Mora pinta melodías de soles

Composiciones propias, clásicos de este y de otros tiempos, así fue la presentación de Juan Mora por el ciclo Ciudad Piano. La propuesta fue un concierto íntimo. El repertorio giró bajo el título de Canción de mi ciudad en las teclas del Bösendorfer en el Guido Miranda. El público estuvo al cobijo de un repertorio amplio donde se sumaron invitados admirables como Patricio Hermosilla, Mauro Siri, Paloma Ortiz, Sebastian Flores y Coqui Ortiz. Juan tiene una sensibilidad especial que enciende música, emociones, recuerdos, vivencias y formas de abrazar la noche. El marco se completó con alegría y sonrisas en ese camino hacia litoralizar al Bösendorfer. El ciclo Ciudad Piano continuará el sábado 10 de octubre con Belén Rohde en el Centro Cultural Ercilio Castillo.

Por Paulo Ferreyra

En el momento en el que se habilitó la sala y el público comenzó a ingresar el pianista tocaba. Recibió así a colegas músicos, amigos, conocidos y no tan conocidos, público en general. "¿Cómo no me voy a emocionar de entrada si esta música la escucho cuando mi hijo tenía dos o tres años?", me dicen casi al oído alguien cuando Juan hacía un popurrir entre chamamé, zamba, guarania.  

En la apertura habló Francisco Corcho Benítez. Comentó que desde el Cecual pensaron en un recorrido por la ciudad a través de sus pianos, a través de sus músicas y sus historias. El ciclo ya pasó por el Club Social, el Cecual, Casa Tona y ahora con ese entusiasmo llegan a una edición especial en el Guido Miranda. 

"Este ciclo continuará hasta noviembre. El sábado estaremos en el Centro Cultural Ercilio Castillo para conocer la historia de ese piano. Los instrumentos cuentan historias de nuestra ciudad", explicó. "Somos la ciudad de las esculturas. Somos la ciudad de las lagunas. Ahora la invitación también es a pensarnos como la ciudad de los pianos", cerró.

Sandra Sisti y Francisco Corcho Benítez

Después tomó la palabra Sandra Sisti, coordinadora y directora del Complejo Cultural Guido Miranda. "Este piano es una de las herencias más lindas que tuve cuando comencé a trabajar en el Guido. Entre todo el personal que trabaja acá me cuentan historias y desde la producción citan a los inmensos artistas que pasaron por aquí teatro. Nosotros acá - a través de Carolina Núñez - productora de la casa - le dimos vida al piano con el ciclo Preludios en el Bösendorfer. Pasaron por el mismo grandes artistas de la ciudad”. 

Melodías habladas

Después de la presentación Juan Mora arremetió con el piano. Sus dedos recorrían las casi cien teclas del instrumento de un extremo al otro. El silencio era total. Algunos apenas sacaban sus celulares para registrar la escena: Juan Mora tocando el Bösendorber y todos alrededor en apariencia éramos un río manso. En el fondo las emociones se agitaban y vertían flores en los ojos.

Juan Mora y Paloma Ortiz

 

Invitadas e invitados

En esa ocasión Paloma Ortiz nos privó de escucharla. Habló muy poco. Apenas deslizó unas palabras e interpretó un tema de Fito Páez.  Su voz, ese timbre tan especial que llega a todos y todas con un buen decir, donde cada palabra es protagonista de un canto que sucede y está vivo sólo cuando ella los nombra. 

Juan Mora y Mauro Siri

Juan fue matizando la intervención de sus invitados con temas propios. 

El segundo invitado fue Mauro Siri. Su irrupción fue una pausa suave, estaba vestido de negro y sonrisa blanca. Interpretó Zamba de argamonte del Cuchi Leguizamon. Después intercambió algunas palabras con Juan. El siguiente tema fue Cuando de Jorge Fandermole.

Alguien entre el público levanta su celular. Sacan fotos. Otros hacen pequeñas grabaciones. Qué lindo. Hermoso. El público abraza la emoción del momento. 

Después de un tema instrumental vuelve Paloma Ortiz para interpretar Gota madre de Seba Ibarra. "Este tema tiene un sentido para mí y por eso la canto. Me siento identificada con la letra. Sobre todo con esa imagen del sol bajo la puerta. Hay algo más allá. No sabemos qué, pero elegimos creer que hay algo más y eso le da empuje a la vida", argumentó. El sol dibujaba luces azules en el telón de adobe del escenario.

Seba Flores y Patricio Hermosilla

Seguían encendiendo luces en el escenario. A los invitados se sumaron Patricio Hermosilla y Seba Flores. Interpretaron el tema Algo pasó en el baile, una composición de Patricio. Luego hicieron un segundo tema instrumental. 

“Las obras de Juan nos conmueven”

"Es un duende musiquero. Que agita el barro y la arcilla para que nazcan sencillas canciones que cantan mundos. Con un sentir profundo el cantor de acordes inspirados es Coqui Ortiz mi gran amigo", más que menos con estas palabras Juan Mora anunció la presencia de Coqui Ortiz. El músico ingresó con una sonrisa silenciosa al mismo tiempo que abrazó y cobijo las palabras de su amigo y compadre en el corazón. 

"Este Ciclo de Ciudad Piano más allá de contar historias - expresó Coqui - es bueno porque se va metiendo por recovecos de nuestra ciudad. En esos recovecos nos permite estar muy cerca del instrumento y escucharlo de otra manera. Además, esto que mencionaba Sandra Siste al comienzo, cuando venimos acá Juan toca entre cuatro o cinco horas porque muy pocos pianistas pueden tocar este piano. Hay que celebrar este ciclo y hay que seguir la iniciativa del Cecual y del Guido".

"Quiero contarles al público que todos los temas instrumentales que escucharon - entre canción y canción - son creaciones de Juan Mora. El está incorporando hermosas obras. Las obras de Juan nos conmueven. Sus creaciones están aportando obras al cancionero argentino". Hubo elogios de ida y vuelta que se abrazaron con miradas cómplices. Coqui interpretó un chamamé.  

Historia

Después Juan reveló información sobre el piano. Contó que hay cuatro pianos en el país con estas características. Repasó la lista interminable de pianistas que tocaron en el Complejo Cultural Guido Miranda. Se sumó Darío Tedenghi quien es técnico de piano y se dedica al instrumento 24/7. Explicó varias características e historias del instrumento. Buscaron el número de serie para determinar el año de fabricación. Habló además de la afinación y otros detalles, como que cuando el piano está afinado su estructura soporta 20 toneladas. 

Juan volvió a matizar la charla con un tema instrumental. Después regresó Mauro Siri. Interpretaron un tema de Fito Paez de una exquisitez única. Su voz todavía hiende la memoria del recuerdo, “y será y será un fuego, un pantallazo, un rayo de luz, conmovedor, una tormenta, una música infinita. Y será y será un fuego, un pantallazo, un rayo de luz, conmovedor, una tormenta, una música infinita”. 

Coqui Ortiz y Seba Flores

El suquipuquero 

Sobre el final volvieron Coqui Ortiz y Seba Flores. El tiempo se licuaba. Iban a interpretar El suquipuquero. Es una canción que nació de esa palabra y se fue desarmando y se fue transformando en algo que al principio no era, era solamente una palabra. Así terminó siendo algo que en realidad no es, pero a la vez es. 

Coqui contó que “a veces la canto en algunos lugares y me dicen "Che, eso es como el cachapecero, el cosechero o el jangadero. No, no es nada de eso, pero se terminó transformando para nosotros en un duende protector. Dedicado a todos los amigos, a los que crearon este ciclo maravilloso, a los que abren las puertas para que nos encontremos todos los que trabajan aquí, a los que cuidan los instrumentos como Darío y a lo que imaginan que a este mundo le hacen falta canciones y le hace falta gente tocando el piano.

Esta semana - además de celebrarse este gran encuentro con la música - se reveló el premio nobel de literatura. El premio fue para la poeta Anne Carson. Alguna vez ella escribió, esconderé tu nombre en cada palabra. Algo de eso también hace Juan Mora con su música, enciende Las Palmas y la palma en cada acorde.

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Mariano Quirós “La poesía está más allá de los poetas y del poema”

Del 15 al 17 de octubre se viene una nueva edición del Festival Literario Mulita. Podríamos inventarnos otra excusa para hablar con Mariano pero esta fue la mejor. Hablamos aquí de escritura, lecturas, talleres y del festival. Nos adelanta - por si aún sirve aquello de la exclusividad y la primicia en el periodismo - dos visitas ilustres del Festival.

“Soy el equilibrista que en el aire camina descalzo sobre un alambre de púas. Hoy la Argentina está llena de equilibristas”, expresó. Al mismo tiempo, respondió sobre por qué hacer festival literario en este contexto difícil desde lo social y económico, “creemos con firmeza en la literatura, en su fuerza revolucionaria, invisible y abrumadora en un mismo movimiento”. 

 

Por Paulo Ferreyra

Edición de texto - Facundo Binda

 

Hace unos años el escritor chileno Benjamín Labatut lanzó el libro Maniac. En este libro hace un retrato del científico Von Neumann de una forma coral, pues habla la madre, el hermano, su hija, sus colegas, entre otros. En una entrevista le preguntan si esa forma coral le permitió de alguna forma hablar de la genialidad pero también de las miserias del hombre. A esto Benjamín respondió, “la miseria es más de la mitad del ser humano. Somos todos profundamente miserables”. 

Esta forma de ver a las personas está presente en nuestra literatura argentina. En una pequeña mesa de 80 por 80 centímetros tengo apenas cuatro libros de Mariano Quirós. Tomo uno al azar, Una casa junto al tragadero, hay descripciones no solo de personajes sino también del río y del monte. Recuerdo en algún momento que cuando lo leí, el personaje de Insúa me generó bronca y ternura. Mientras las líneas se suceden me llegan a la memoria las palabras de la profesora y periodista Flavia Pittella quien también alguna vez dijo, “una de las características de la escritura de Mariano Quirós es que puedes ver en la profundidad de cada uno de sus personajes, su alteza y su bajeza, su luz y su oscuridad. Ninguno de los personajes de Mariano te dejarán indiferentes”. 

El libro más reciente que circula de Mariano es Purirú. Cuenta aquí que sigue difundiendo este y todos sus libros. “Me avergüenzan y me enorgullecen en partes iguales. Cada uno tiene una historia, tiene una prosa particular, su propia luz y su propia oscuridad, el afán de narrar por encima de todo. Purirú, siento yo, junta un poco de todo: aventura, deseo, desenfreno y calma. Es mi gran novela correntina y todavía no puedo creer que la haya escrito. Todos, todas deberían leer Purirú. Así como todas y todos deberán leer los cuentos de Yo veo la transformación, el libro que publicaré a principios de 2027”. 

Lecturas

Mariano está leyendo en estos momentos Casa de hojas de Mark Danielewski; Disparos en la calle de Juan José Manauta y Jim Click de Fernand Fleuret, entre otras cosas. En la vida diaria también lee las preguntas interminables e intrincadas de algún periodista. Pero volviendo a los libros cuenta que le llegan de muchas formas, compra y acepta recomendaciones, “incluso se da el caso de que me lanzo a leer los libros que me recomiendan enfáticamente que no lea, que no son para mí, que no me van a gustar. Entonces voy y los leo. A veces me llevo grandes sorpresas, para un lado o para el otro. Por otra parte, recomendar libros es algo que hacemos todos, por instinto. Estás sentado a una mesa con alguien que habla poco y, para no hablar del clima o de este gobierno infame, le sugerís que lea tal o cual libro. En vez de la abulia o la queja sin sentido, que pase a la acción y lea”.

Se pasa gran parte del tiempo leyendo, por placer y por trabajo. Coordina talleres de escritura y lectura así que básicamente su vida útil gira en torno a la lectura. “Me paso gran parte del día leyendo y con mi hijo, que es otra forma de lectura”, agrega.

“La vida como la literatura es goce y deseo”

— Hablamos específicamente de libros pero ampliemos su significado, ¿qué es para vos leer?

— Depende de qué se lea. Yo leo literatura. Y la literatura es un terreno de lo más inestable como para permitirme una definición tajante. Pero a veces tengo la ilusión de que leer también supone una manera de trabajar sobre la realidad. De repente leés un cuento que transgrede cierta lógica, que propone algo que, en principio, suena absurdo y, cuando te quisiste dar cuenta, eso que leíste abrió una fisura, una ventana. Y, quién te dice, te asomás por esa ventana y resulta que estás a tiempo, por ejemplo, de armar una revolución.

 

— Seguis haciendo taller de escritura, ¿se puede enseñar a escribir? ¿Por qué?

— Vivo de ofrecer talleres de lectura y escritura. A escribir nos enseñan en la escuela, por eso es importante contar con buenos docentes, maestras y maestros que reciban un buen sueldo; que tengan conciencia social y que estén listos para salir a reclamar por sus derechos cada vez que se los niegan. En un taller, entre lectura y escritura, si las cosas funcionan es posible que encontremos una voz que nunca antes habíamos escuchado. Un ruido en el ambiente que tuerza para siempre nuestro lenguaje, nuestra manera de comunicarnos. Podemos descubrir que escribir va mucho más allá del mero hecho de escribir. Que en el medio de todo está la vida, y que la vida, como la literatura, es una tormenta, es goce y deseo, una forma de esperanza.

— Hace poco en una entrevista Ines Gerland dijo: “el amor y el odio son buenos motores de escritura”. ¿Coincidis? ¿cómo es para vos en lo personal? ¿Un ejemplo de tu escritura?

— Lo que yo aprendí es que, tarde o temprano, el amor vence al odio. En las últimas décadas impusimos una escritura de la crueldad, a veces desapasionada, rayando el cinismo. Muy bien, ese fue el mundo que imaginamos y que ahora vivimos. Llegó el momento de volver a imaginar, de ofrecer la posibilidad de un mundo, de un país y una provincia menos aciagos. Y eso es trabajo, repito, de la imaginación.   

— ¿Existe una regla macro que te sirva a vos para escribir y para la vida? ¿Cuál? ¿Por qué? ¿de dónde surgió?

— Si hay una regla o cosa así, es más bien involuntaria. A la manera en que se definen las rutinas, un poco sin querer, otro tanto porque nos amoldamos, nos acomodamos lo mejor que podemos a las circunstancias. Yo soy muy disciplinado, incluso cuando no lo soy. Vivo de leer y de escribir, vivo en negro. Tengo que ser ordenado, entonces, porque encima tengo muchas responsabilidades. Y sin embargo todo alrededor es puro desorden. Soy el equilibrista que en el aire camina descalzo sobre un alambre de púas. Hoy la Argentina está llena de equilibristas.

“Mulita libera”

Cada edición del Festival Literario Mulita ha sido una fiesta. Ha habido - permítanme el término - ediciones más pomposas que otras. Para Mariano como parte de un grupo entrañable que hace este festival ningún contexto es ideal para un evento literario. Pero este contexto en términos políticos y económicos lo es menos. Justamente por ello el escritor sostiene que le interesa tanto que se haga el Festival Mulita. “Es nuestro aporte contra la alienación, contra el aislamiento, contra la soledad. “Mulita Libera” es nuestra premisa para esta novena edición. Una premisa grandilocuente y utópica, como la literatura”, afirmó.

Tal como lo vienen haciendo sus organizadores estarán presentes escritoras y escritoras del Chaco, la región y del país. Con la premisa de que el festival libera convocaron a autoras y autores que desde su obra, y también más allá de su obra, sugieren la posibilidad de alterar y retorcer el pensamiento, la conciencia y el mismísimo gusto literario.

 

Una de las premisas del festival es darle tanta importancia a la poesía como a la narrativa. Sobre esto Mariano sostuvo que nos educamos pedagógica y sentimentalmente con la narrativa y la poesía. Los organizadores creen con firmeza en la literatura, en su fuerza revolucionaria, invisible y abrumadora en un mismo movimiento. 

Vuelvo al Mariano escritor y lector. Adelantó que en esta edición del Festival Mulita estarán Alicia Genovese y Denise León. De ellas sostuvo, “nos conmueven por su trabajo sobre la construcción de identidades y, por supuesto, sobre el lenguaje. Pero así como te digo una cosa te digo la otra: la poesía, aprendimos, está más allá de los poetas, está más allá del poema. La poesía está en el hecho mismo de pensar en el Festival Mulita. En la posibilidad de hacer este festival cuando todo está dado para que no se haga. La poesía está en la búsqueda de recursos económicos y anímicos. En el empeño insensato con que nos movemos para que el Festival Mulita se realice. La poesía está en la gente que nos acompaña, que participa del festival y lo asume como propio, como espacio de protesta, de alegría, de goce y liberación”. 

Las palabras, la posición literaria y la forma de encarar el mundo de Mariano Quirós me recuerdan las voces de un poeta que dijo, “no soy nada, nunca seré nada, no puedo querer ser nada. Aparte de eso tengo en mí todos los sueños del mundo”.  

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“A vontade de ser mais feliz”

 

El ciclo de Música de cerca en La Felipa Unidad recibió hace unos días la visita de una gran artista, Amanda Cadore. La joven cantante y compositora realiza una gira desde su Brasil natal viajando por Paraguay, Argentina y Uruguay. Su paso por las provincias de Corrientes y Chaco llegó de la mano de Esto También Está Sonando.

“Comencé esta gira que se llama de Ponta a Ponta. Muchas gracias a ustedes por venir. Estas condiciones de formato íntimo me encantan. Voy a interpretar las canciones que compuse y están grabadas en este disco nuevo que se llama Viva”, así comenzó Amanda su presentación por primera vez en Corrientes.

Por Paulo Ferreyra

Fotos La Felipa Unidad

Eu possa me dizer do amor (que tive): // Que não seja imortal, posto que é chama // Mas que seja infinito enquanto dure, assim expressa Vinicius de Moraes en un poema. Ahora ya en el 2026 Amanda canta Vejamos bem a paisagem. Vejamos para o tabuleiro. Cada fonte do amor vai começar a viajar. Sinta a floresta selvagem. As luzes da noite esverdeada. Não troque isso por nada.

En La Felipa Unidad se presentó Amanda Cadore. Ella es cantante y compositora brasileña, cuya música cruza ritmos y canciones iberoamericanas con referencias brasileñas, afro-atlánticas y sudamericanas. En 2026 presenta Viva. Es su nuevo trabajo y por ello está de  gira por nuestro país. En esta presentación por el litoral también visitó la casa de la productora - responsable de su visita - Esto También Está Sonando. Ahí la velada se multiplicó de emociones con la presencia de la cantante y compositora Luli Maidana. 

“Es increíble estar acá. Quizás siempre voy a decir increíble, pero siendo sincera es lo que siento. Me encanta hacer una presentación acústica. Se genera en estos conciertos una energía única con el público”, así expresó después de la primera canción en Corrientes. “En estos contextos íntimos el público está atento a escuchar cada canción, canciones desconocidas y canciones nuevas. Me resuena muy hermoso. Poder cantar acá en portugués por primera vez en Corrientes es un regalo”.

Amanda trajo las canciones de su disco Viva. Presentó las canciones Viva, Sábado, Sem filtro, Biombos, instantes raros, Cidade pequena, Passeio, Apunada en el mar, entre otras. Su canción que da título al disco es una celebración, un canto que elogia los movimientos, los encuentros, la gente en la danza de la posibilidad de ser y estar vivos, “conecta con lo vivo y hace al propósito de lo que amo”.

El silencio en ocasiones es un manto que cobija las palabras de Amanda. Su léxico tiene música. Ella se mece en el amplio sofá mientras los acordes pintan colores en la noche joven.  Hay una cadencia en el portugués que se subrayan cuando las palabras salen de sus labios. Anota algunos versos de canciones.  

Não vejo nenhum Ele mover para poder dançar.

As armaduras que a gente Tá tudo beleza querer ser melhor para encontrar disposição voar, saltar, deixar a vida acontecer.

O sol atravessa a ponta da porta para tocar você. Leis sociais, um só céu de estrelas onde a gente se vê. Salvação.

El portugués es súpermusical. Amanda agrega después en la entrevista que durante su proceso creativo identifica palabras que para ella tiene o guardan una sensación especial. Elige palabras porque le traen algo musical o un sentimiento. Entonces después que tiene determinadas palabras puedo armar una estructura para que la palabra esté ahí, en un punto determinado, en una melodía y en una armonía exacta.

Hay muchas luces en el concierto que vienen empapadas por esa mirada de vida, de amor, de sol y pueblo pequeño. La cadencia y otra velocidad de la vida, más cerca del encuentro y de los abrazos. En un momento del concierto interpreta el tema Viva. Es el tema que da título al disco. “Viva de principio es algo que entiende todo el mundo”, explica. “Además, tiene este doble sentido de estar viva, de estar consciente de mi existencia y también de celebrar: estoy viva. Es una celebración de tener este cuerpo, tener esta mano para tocar la guitarra, tener este corazón para amar la gente y para conocer personas”.

Cidade pequena

En el proceso de grabación del disco Viva pasaron muchas cosas. Una de ellas atravesó el corazón de Amanda. Una de esas cosas que sucedieron de manera particular fue la despedida de una amiga íntima suya. A ella le escribió una carta y en el disco se puede buscar como Cidade pequena.

“Hice esta carta para celebrar este amor. Celebrar este amor de amiga que me acompaña y me guarda. Le escribí una carta de despedida a mi gran amor de la vida. Ella partió justo cuando estaba en el proceso de grabación del disco - cuenta y la emoción invade su voz - En aquel momento tuve que parar un poco y es algo que me sigue pasando  todavía hoy en día. Para bien de todo está el arte y la música que de alguna manera resignifica nuestros sentimientos”. 

Durante el concierto Amanda hizo una pausa antes de interpretar este tema y cuando volvimos a hablar la emoción seguía presente. “Lo que escribí es un agradecimiento a esa amistad familiar que teníamos. Para mi tiene un costado celebratorio a la persona y al amor que viene desde ese lugar de la infancia. Una vez habíamos tenido una charla con ella sobre ese lugar tan pequeño y cálido donde crecimos”. Las palabras crecen y al público - sin conocer la destinataria y a esa amiga - también le llegó esa amistad fraternal, de arena, sol y largas charlas. 

Com todo bem que você fez

Sobre el final del concierto Amanda agradeció el silencio y el acompañamiento del público. La energía de los presentes. Había algo ahí. Se respiraba una noche especial. “Es un sueño poder visitar estos lugares y conocer ciudades, intercambiar y tener nuevos vínculos con las personas que habitan este suelo”, expresó mientras deslizaba los últimos acordes de su despedida. 

Hablamos de la música que hay en el portugués. Hay poesía también en esta lengua. Hay poesía en el decir - en las palabras que canta Amanda Cadore. Para ella la poesía es compleja. Pero a la hora de dar una respuesta afirmó, “la poesía es la mirada. La poesía es la manera de mirar las cosas, de elegir y sostener de repente que este verde es azul. Es decir también que la melodía puede tener palabras y que el silencio te puede decir un montón de cosas”. Puedo seguir tomando ejemplo de su poética con otro fragmento de una canción, “tudo do meu coração é viver nesses olhos teus. Pausada não”.

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