Nat: “Siento que todo los seres venimos para amar”

Este sábado 19 de abril La Chula (Argentina) y Nat (Paraguay) se presentarán juntas en La Felipa Verde. Es una oportunidad para escuchar a estas artistas jóvenes, con sus composiciones y viajar por pistas noveles. Con Nat hablamos de estos temas y de amor, “Siento que todos los seres venimos para amar”, expresó. En una charla con La Chula hablamos de su música y sus caminos de inspiración.

Por Paulo Ferreyra 

Nat es la primera vez que llega a Corrientes, al respecto se expresó “súper emocionada”. Ha visitado otros lugares de Argentina pero todavía no había llegado a las siete puntas. En comunicación telefónica Nat agregó, “Tengo mucha ilusión y emoción por ir a Corrientes porque siento que tenemos muchas cosas en común. Tenemos más cosas en común que diferencias, aunque geográficamente estemos separados siento que la región nos une”. 

Esta es la primera vez que se juntan Nat con La Chula. Nat también por estos días está escuchando la música de La Chula. “Estoy escuchando su música y me parece fabuloso que nos hayan convocado a las dos, tenemos en común el instrumento - las dos tocamos el contrabajo”, agregó con un entusiasmo que se desborda de alegría y felicidad. Estas dos artistas tienen en común el instrumento pero también sumarán a la tarde correntina el hecho de traer canciones que vienen componiendo y creando.

Un río guaraní

 

La música de Nat es como un río, corre por momentos suaves y por momentos galopa con la fuerza de las emociones. Trae el calor del sol que riega el pulso de las personas, la cadencia de su música viene de la región y un poco del calor de latinoamérica, “siento que latinoamérica - a pesar de que nos hemos dividido en varios países sigue siendo una misma tierra, mis canciones tienen esa fuerza que viene de mis influencias de la música que me gusta y del ritmo del 6 x 8 que nos marca como región”, explica.

En algunas canciones de Nat aparece la lengua guaraní, ella dice que es el guaraní paraguayo, “lo llamo así porque soy honesta - agrega - hablo guaraní. Me comunico así con la gente y hay canciones que me vienen así, con esas palabras y con la honestidad del lenguaje. Tengo respeto hacia los pueblos originarios que es diferente al guaraní que hablamos nosotros o en otras partes de la región”. Su lenguaje es una evocación a los pueblos originarios por quien siente un profundo respeto y su homenaje es honesto. 

En 24 x 7 para amar

En relación a su proceso creativo Nat cuenta que no tiene bloqueos o pánico a la hoja en blanco, que incluso por momentos siente que debe frenar su proceso de creación para no componer 24x7. “A veces viene una melodía o a veces viene la letra, depende de cada caso. Trato de que mi proceso creativo sea libre, sin ataduras y sin parámetros o planteos ante un ritmo determinado”.

En ese río de las canciones de Nat se respira el amor. El amor se pasea por sus canciones y ella suelta sus palabras para profundizar esta cuestión, “el amor es una fuerza vital y es una energía que da vida. Es casi sinónimo de vida porque el amor da vida. Siempre está el amor presente, hasta cuando hablamos de desamor hablamos de amor y es ahí donde sigue habitando el amor, es una fuerza vital que nos acompaña todo el tiempo. Por lo menos lo siento presente en mi vida de una forma vital todo el tiempo. Le doy libertad al amor para que esté presente en todos mis procesos creativos - incluso cuando hablamos de cosas que no dan tanto gusto o incluso nos dan dolor, el amor esta presente”. 

“Siento que todo los seres venimos para amar, a veces nos olvidamos nomás, pero creo que el único objetivo real en este plano y en esta vida es experimentar el amor en todas su facetas, todo es amor - yo lo veo así, no es romanticismo, tampoco es optimismo ciego, simplemente el amor es una energía vital y está en todos todo el tiempo, a veces nos olvidamos de ello pero el amor - desde mi parecer - está ahí presente”. 

La Chula: “La música cumple roles importantes en mi vida”

 

Este sábado 19 de abril La Chula (Argentina) y Nat (Paraguay) se presentarán juntas en La Felipa Verde. Una oportunidad para escuchar a estas artistas jóvenes, con sus composiciones y viajar por pistas noveles. En una charla con La Chula hablamos de su música y sus caminos de inspiración, además con Nat charlamos de estos temas y de amor, “Siento que todos los seres venimos para amar”, expresó.

Por Paulo Ferreyra 

Hace unos meses atrás La Chula lanzó el disco Orgánica. Entre sus temas está Eleonora. La sonoridad llega con acordes de guitarra muy limpia, su voz cantada y recitada, el sonido de las aves recorren esta melodía como agua limpia y cristalina, por momentos emerge ancho y con fuerza un arroyo misionero.

Sobre Eleonora la artista cuenta que compone al revés que muchos musiques, ella primero hace la melodía y después escribe la canción. No se pone y no se ata a ninguna estructura. “Cuando compongo voy con libertad, no pienso en un determinado género ni siquiera tengo pretensiones de que aparezcan determinadas notas. Mi forma de componer es jugar con la guitarra hasta que salga algo o hasta que me gusta una melodía”, explicó en el inicio de esta charla. 

La canción de la que estamos hablando viene de un cuento de Edgar Allan Poe que justamente lleva ese título, Eleonora. Se habla aquí de una amor prohibido, pasional, quizás muchos amores son así, prohibidos y pasionales. Sobre los sonidos de selva que están en la canción La Chula agregó, “como misionera, aunque no busque hacerlo mi sonoridad se remonta al monte, a los pájaros y al agua, así nació la idea de poner esos sonidos en esta melodía”.

Ella es de Eldorado, Misiones. Esta ciudad está a unos pocos kilómetros de Iguazú. Hace quince años que llegó a Corrientes. Cada tanto vuelve a la tierra colorada donde vive su familia. Es profesora de Contrabajo, bajista, cesionista, cantautora, gestora y productora cultural. Ya lanzó dos discos. Ha recorrido diferentes escenarios de la región, en la edición 2024 del Taragüi Rock se presentó con una formación eléctrica.

Lazos con músicos de Paraguay

Hace un tiempo viene entrelazándose con artistas de Paraguay. Se ha presentado en la ciudad con diferentes artistas y también viajó a Asunción para compartir escenarios con artistas de ese país y llevar su música. Estuvo con Purahei Soul, Passiflora, entre otros, ahora a esa conjunción y convivencia se sumarán dos presentaciones con Nat en Corrientes y en Resistencia. La Chula en estas presentaciones se presentará sola, con la guitarra criolla y llevará en un cuenco sus propias canciones. 

“Leo mucho - escribo mucho”

En esta charla La Chula resalta que la música es un refugio, un psicólogo, “la música cumple roles importantes en mi vida”, subrayó. Sus temas están en distintas plataformas digitales para escuchar. Nos detuvimos para hablar de otra de sus composiciones, Machado.

“Machado es un reggae. Se salió un poco de mi línea de folclore. Este sigue la línea de un poema de Antonio Machado. Leo mucho desde muy chiquita, no sé porque ya que nadie me incitó a leer pero encontré un gusto ahí en la lectura. Tengo mis autores favoritos que me encantan y me inspiran un montón. Autores extranjeros y autores nacionales como Jorge Luis Borges, Roberto Arlt, Liliana Heker, entre muchos otros”, agregó. 

Al escucharla el litoral florece en melodías o en distintas voces. El amor también se respira en delicados sonidos que asoman en caricias distintas, “soy una persona romántica, vivo el amor de forma profunda y he publicado ya algunos libros – libritos – de poesía. Escribí un poema para homenajear a uno de mis escritores favoritos, Horacio Quiroga, entre tantos escritores favoritos que tengo”.

La yema de sus dedos apoya con delicadeza cada cuerda. Su voz está ensancha una melodía de verde soles. Sus lecturas de poesía y cuentos le salen por distintos poros. “Al componer me gusta jugar con la guitarra, dejarme llevar por los sonidos, mis composiciones nacen desde el corazón”, afirma y una sonrisa dibuja su sol.

Daniela López: “Escribí esta obra para atravesar nuestras distintas formas de ver el mundo”

Hace una semana llegó a Corrientes la obra teatral Archivo Elena, que cuenta con la actuación de la dramaturga Daniela López Giménez. Con ella charlamos después de la presentación, para conocer cómo nació esta historia y sus sensaciones con el público local.

Por Paulo Ferreyra

Archivo Elena es la biografía de una mujer, maestra, madre, esposa y abuela. A través de la memoria de su nieta nos llega el tránsito de las vicisitudes de una vida. El teatro creo un lazo de dos generaciones distintas. 

La obra teatral surgió de un festival que se hacía en Posadas, Misiones. El festival era Escena Sub30. En este festival invitaban a directores emergentes a realizar propuestas para el festival. En el momento de la convocatoria Daniela López estaba cuidando a su abuela, que se encontraba enferma y a quien ella asistía. 

Cuando la convocan al festival Daniela piensa qué podía contar y qué la estaba atravesando en lo personal, en ese contexto escucha un audio de su abuela - porque la grababa cada vez que hablaba - y ahí surgió la idea de exclamar en alto esa voz. 

“De alguna manera Archivo Elena me permitió sublimar todo eso que pasé con mi abuela y que es muy doloroso pero también fue hermoso al mismo tiempo”, cuenta. La voz de Daniela se rebalsa de brillo en los ojos. La dirección artística de la obra es de Laura Josefina Kramer, en el diseño y la operación de luces está Guillermo Echenique. El diseño sonoro es de Diego Kuchera.

— Al escribir esta obra pude despedirme de mi abuela y pude entender muchas cosas, como por ejemplo los abismos que separan una generación con otra. Entonces estas distancias a través del texto busqué subsanarla, entenderlo y abrazarlo. De esta forma también hice lo necesario para estrechar la historia de ella que al mismo tiempo es la historia de mi familia y la mía también. Haciendo y escribiendo la obra me di cuenta de que nuestra historia está emparentada con la historia de muchas familias de Misiones. Tenemos madres y abuelas que han sido maestras, maestras rurales, que han educado de alguna forma al país en épocas tan antiguas. Es un placer para mí que el arte me haya ayudado a despedirla y también a recordarla cada vez que me subo al escenario. 

— Hablaste de la historia familiar pero también aparecen hechos históricos de la provincia de Misiones y del país.

— Sucede que al escuchar su historia también entendía mucho la historia que nos rodea y nos define. La historia de nuestro país también nos define a nosotros y ha definido la historia de nuestras familias. Al mismo tiempo que iba reconstruyendo el relato de mi abuela veía que otros hechos se iban entrelazando con ella, con su memoria, con la memoria de nuestros antepasados. 

— ¿Cómo viviste la presentación en el Espacio Mariño?

— Me encantó. El público estuvo muy amoroso y muy respetuoso acá en Corrientes. Fue también muy conmovedor para mí porque es la primera vez que saco esta obra a otra provincia. Siempre la hice en Posadas y en otras localidades de la provincia de Misiones. Encontrar este recibimiento me conmueve mucho y estoy muy agradecida. 

— En la construcción artística de la obra teatral subyace un mensaje, volar, volar, volar. 

— Si, sobre todo porque me di cuente en la reconstrucción de la vida de mi abuela que se había privado de poder hacer lo que ella realmente tenía ganas. Siempre estaba un mandato por delante, cumplir los mandatos de la familia, los mandatos de ser mujer, entre muchos otros mandatos. Al escribir esta historia me enlacé de alguna manera con el deseo de ella, la veía - quizás la sigo viendo - contando ciertos hechos y pensando qué hubiera pasado si hubiera podido elegir otra cosa en su vida. 

Toda esa secuencia de hechos o episodios que algunos están en la obra de teatro me hicieron pensar como yo hoy puedo elegir qué hacer, qué estudiar, cómo desarrollarme, entre otras cosas. Esto fue muy lindo, escribí esta obra para transpolar y atravesar nuestras distintas formas de ver el mundo.

Micaela Vita: “El amor es la pulsión más grande de vida que tenemos”

Este fin de semana llega Duratierra a la región. El viernes estarán en Resistencia y el domingo en Corrientes. La banda lleva más de veinte años juntos y hace un año editaron el disco A los amores - el folklórico Vol. 1. “Nos da mucha alegría poder llegar ahora estas provincias. Esta gira por el litoral nos tiene con ansiedad y con deseos, sobre todo para ver con quienes nos encontramos y qué sucede”, así expresó Micaela Vita en esta charla.

 

Por Paulo Ferreyra

“La única posible y fructífera misión del intelectual es estar con el pueblo, en el pueblo, principalmente en los momentos decisivos”, así escribió alguna vez el historiador, periodista e intelectual Osvaldo Bayer.

 

A los amores sí

que sí, que sí.

A los temores no

que no, que no.

A los ardores sí

paso derecho al pecho.

 

Así comienza la canción A los amores, segundo tema del disco que lleva este título. Duratierra con sus composiciones y sus creaciones también son los intelectuales de nuestro tiempo. Han creado un disco cargado de significado como hacía tiempo no escuchábamos en el folclore nacional. En los próximos días llegan a la región esta banda conformada por Micaela Vita, Juan Saraco, Valen Bonetto y Nico Arroyo. Para adelantar sobre esta gira, sobre el presente y sus canciones, hablamos días atrás con Micaela, donde con paciencia y cuidando cada expresión, respondió distintas preguntas.

 

— ¿Cómo es mirar al mundo desde esta perspectiva que propone Duratierra?

 

— Es precioso. Es muy reconfortante estar en este lugar porque es un regalo que vuelve a nosotros todo el tiempo. Es precioso percibir y transitar con la gente todo lo que le va pasando cuando llega a la trinchera de Duratierra. La gente encuentra aquí un espacio de pertenencia y otras personas que miran al mundo de forma similar, con las mismas intenciones de hacer las cosas mejor, con las mismas preocupaciones y las mismas denuncias en el cuerpo.

 

— El espacio del amor lejos del odio.

 

— Justamente es precioso porque es el lugar del amor. Es el espacio de esta mirada desde la ternura que hemos aprendido y que vamos edificando.

 

Con Duratierra hemos construido un espacio cultural muy fuerte de pertenencia ideológica. Es un espacio cuidado. Acá la gente se acerca porque necesita de ese abrazo. Hoy en día donde todo está tan hostil y donde los discursos de odio están más expandidos y llevados a acciones terroríficas, dramáticas y preocupantes, esto que hacemos es una contrapropuesta a ese mundo y es otra forma de construir.

 

Es muy gratificante y es muy emocionante también percibir que esta forma de mirar a través de la música que tiene esta banda se transforma en familia para mucha gente.

 

 

— Este acercamiento con el público se dio a lo largo de diferentes discos, ¿Trinchera fue el disco que les abrió más puertas?

 

 

— La transformación de la banda se dio a partir del disco Cría. A partir de este disco nos pasó que íbamos al concierto y nos encontrábamos con la gente que cantaba nuestras canciones. A partir de nuestras redes nos empezaban a llegar versiones de la gente tocando nuestros temas. Eso antes no nos había pasado. Eso fue algo que transformó la identidad de la banda. La consolidó en algún punto porque hacia ese lugar estábamos yendo y en ese lugar nos estábamos encontrando.

 

Empezó hacer un faro y una brújula hacia dónde ir. Buscamos esa emoción y esa conexión con la gente. A partir de Cría con la canción Marzo, Saravá, empezó a pasar la salida de aquello que nos transformaba en la sala de ensayo llegaba al corazón de mucha gente. Empezamos a palpar que nuestras letras y las canciones eran un lugar donde la gente elegía para sus días, un espacio para pensar, sentir y para expandir sus vivencias.

 

 

De la trinchera de Duratierra

 

En el 2020 la banda lanzó el disco Trinchera. Una palabra que no estaba en boca de todos como en estos momentos. Ahora la palabra y el concepto se expandieron, se la está usando un montón. En aquel tiempo incluso los seguidos tenían remeras con una frase de esta canción, “Y juntarse a doler / como gesto de rebeldía”.

 

El público que ya seguía las canciones de Duratierra tomó aquella canción para decir, soy parte de la trinchera. Después se transformó o se amplificó a la turba, “hoy en día nos pasa que nos topamos con gente en la calle que nos dice - soy de la turba. Hay algo ahí que se volvió una forma de nombrar a quienes nos reunimos alrededor de estas canciones”, agrega Micaela.

 

La banda estará el viernes 11 de abril en el Cecual, Resistencia, y el domingo 13 en el Espacio Mariño de Corrientes. Llegarán para presentar su más reciente disco, A los amores. Este es una material de profunda raíz folclórica.

 

Lo que los había reunido a Duratierra en sus comienzos fue el folclore. Después comenzaron a explorar y se permitieron moverse por fronteras más borrosas. Ahí también latía toda la música que somos y que también es parte de nuestro acervo cultural donde el paisaje sonoro entró a dialogar con la música folclórica.

 

Ahora con A los amores volvieron a la raíz más profunda, han creado un disco cargado de significado como hacía tiempo no escuchábamos en el folclore nacional. Lo grabaron con la vieja tecnología a cinta abierta. Se grabó con tomas en vivo y fue para ellos – según han comentado - una experiencia maravillosa.

 

La voz de Micaela llega pausada, reflexiva y conceptual, “Los discos te enseñan y te piden cosas que quizás no las tenés, sino que las tenés que ir a buscar. Este disco – A los amores – nos hizo crecer un montón a nivel artístico. Es algo que estábamos queriendo que suceda. Estos veinte años hicieron que lleguemos al disco de una buena manera y hemos cumplido un sueño como muchos otros”.

 

 

“Estas canciones parece que vinieron hechas con el mundo”

 

 

— ¿Cómo hacen para sostenerse como grupo durante más de veinte años? ¿Cuál es la clave para perdurar en esta forma?

 

— El amor es lo que nos sostiene. Es un amor con trabajo y con una intención de construcción. El amor tiene muchas formas y todas son maravillosas, este tiene como eje a la música. Es un amor que se siente en la mesa alrededor de la música y es una familia que se junta alrededor de esta mesa.

 

Hay varias claves. Una de ellas es que nos hemos ido acompañando a través de estos veinte años en los movimientos de la vida de cada quien, hemos ido respetando los procesos, los tiempos, hemos hecho terapia grupal que es una parte importante que hizo a esta revitalización de la banda con esta nueva formación de sexteto.

 

Hubo mucho de este proceso de acompañarse y de respetarse. Entendemos que llevamos adelante un proyecto colectivo y que al mismo tiempo es el eje de cada uno de nosotros. Esto no se puede construir de forma ficticia. Tener una banda es una decisión que requiere mucho trabajo y mucho compromiso. Somos una banda autogestiva y si bien hemos crecido bastante en estos años - eso hizo que mucha gente como Diego knoblovits, nuestro productor, se sume al proyecto. Todo el equipo que conforma Duratierra se va leudando, nosotros siete somos la fuerza activa, trabajamos mucho hace mucho tiempo y eso es tomar un compromiso y una decisión.

 

— En ese contexto se percibe ahí un cuidado con las palabras que nombran, ¿cuánta importancia le dan al trabajo con la palabra?

 

— Muchísima. En el trabajo de las canciones, en su mayoría están compuestas por Juan Saraco, que es el guitarrista de la banda. Hay otras canciones que son compartidas conmigo, otras solo mías y otras compartidas con Valen Bonetto, en este disco esta la primera canción que hizo Tomás Pagano, el bajista de la banda.

 

El darle valor a la palabra también fue un aprendizaje. Las letras en mi apreciación han ido yendo cada vez más profundas. Esa profundidad te da el hacer. Componer es un oficio como muchos otros oficios que requieren de mucho hacer para poder ir llegando de a poco a lugares donde a una les identifica.

 

Estas canciones que forman parte de A los amores a nivel compositivo son de un lugar muy alto de llegada, en la palabra, en la melodía y en la construcción. Siempre digo que este disco tiene canciones que parece que vinieron hechas con el mundo. No es fácil llegar a canciones o hacer canciones así que entren a la gente de este modo. Mi observación de verlo a Juan Saraco hacerlo es trabajar, trabajar y trabajar - buscar nuevas inspiraciones y viejas inspiraciones. Seguir trabajando, como un oficio para llegar a un lugar que nos de orgullo y que nos representa.

 

— En unos días más llegarán al litoral para traer justamente estas canciones, ¿cómo se sienten?

 

— Nos había quedo pendiente varias provincias del país con este trabajo de A los Amores, así que nos da mucha alegría poder llegar ahora estas provincias. Esta gira por el litoral nos tiene con ansiedad, con deseos, sobre todo para ver con quienes nos encontramos y qué sucede en el intercambio con los músicos locales. Queremos ver que nos pasa, hay que ir para ver qué pasa y poner el cuerpo. Tenemos mucha ilusión con esta gira.

 

El amor es una fuerza transformadora

 

Hay un punto donde el artista lleva sus canciones para mostrarlas. Pero también hay otro punto del camino del artista donde son las canciones las que lo llevan al artista a un lugar. En este último se encuentra Duratierra. Ahora son sus canciones – la demanda del público por escucharlas – quien comienza abrir nuevos escenarios. “Eso es preciosos”, describe Micaela. Es un signo de que la tarea está siendo llevada a buen puerto, cuando la banda, la música de la banda es lo que quieren escuchar. Es una de las tantas buenas señales de que Duratierra está yendo por el buen camino, es una conmoción muy grande para ellos cuando de repente aparece gente de lugares alejados de su cotidiano quienes les dicen que escuchan su música y que esa música los acompaña en diferentes momentos de sus vidas.

 

Duratierra llegará para cantar las canciones de A los amores. Podía detenerme en algunas de las canciones del disco pero, ya que estábamos hablando con Micaela le pregunté directamente qué es el amor para ella. Su voz llega clara y potente de vida, “el amor es la fuerza de transformación más grande que siento en mi vida. Es lo que va guiando los días, las elecciones, lo que me hace querer ser mejor en lo que hago. El amor a la música. El amor a los compañeros de proyectos. El amor a las crianzas. El amor a la tierra. El amor a la patria. El amor al país. Todo eso va conformando y guiando un poco el hacer y las decisiones que tomo en la vida. El amor es la pulsión más grande de vida que tenemos”.

 

Leo Tabú rinden tributo al disco unplugged de Nirvana

Leo Tabu rendirá homenaje al disco Unplugged de Nirvana este viernes 4 de abril a las 22.30 en Espacio Mariño, Corrientes.

El músico está despertando y tocando un sueño con las manos. Leo Tabu, músico y sonidista, comentó que una vez soñó que tenía una banda que se llamaba Mi hermana, que hacía temas de Nirvana. Eso ya fue hace tiempo, hoy pisa el sueño de los despiertos donde tiene una banda que se llama Mi hermana y como si fuera poco, interpreta temas de Nirvana.

Este viernes 4 de abril a las 22.30 en el Espacio Mariño, Corrientes, en el marco del aniversario 31 del álbum MTV Unplugged, Leo Tabú junto a su banda interpretará todos los temas del disco. Este año ya hizo la presentación de este material pero ahora se sumará una escenografía que recordará aquel material audiovisual único de Nirvana en MTV.

Leo tiene una banda donde interpretaban los temas eléctricos de Nirvana. El desafío era poder hacer los temas unplugged. Ahora el desafió ya se cumplió, después de meses de trabajar la voz, el repertorio, la fonética en inglés, leo sale al ruedo.

"Este tributo nació porque crecí escuchando Nirvana. Me encanta su música y me enseñó muchas cosas", dice Leo en comunicación telefónica. "Las guitarras en este disco suenan increíbles. No suenan como guitarras acústicas comunes, tiene micrófonos especiales y poder replicar ese sonido en Corrientes es todo un desafío".

Leo explicó que no busca cantar como Kurt Cobain, la voz líder de Nirvana, porque esa voz es única e irrepetible. "No quiero cantar como él porque no creo que nadie pueda cantar como el, no hay quien pueda lograrlo. Trabajé mucho la voz aquí para interpretar los temas porque quiero que suena lo más afinado posible, este fue mi desafío y trae aquí un sonido limpio, casi perfecto".

La propuesta este viernes en Espacio Mariño es poder escuchar el disco completo de Nirvana. Habrá una escenografía especial. Cuando hicieron el unplugged el grunge estuvo desnudo. Ahora la propuesta es también dejarse atrapar por este sonido, quizás también, dejarse vestir por un sonido que treinta años después todavía tiene cosas para decirnos.

Andrés Paredes: “Arte y ciencia están presentes en todos mis obras”

El artista misionero inauguró dos muestras en la ciudad de Resistencia. Paciencia infinita en el Museo de Bellas Artes e Inmiscible en la galería Yuyal. En esta charla hablamos sobre su obra, las raíces, la naturaleza y claro, también hablamos de chicharras.

 

Por Paulo Ferreyra

 

“Hay gente que con solo decir una palabra / enciende la ilusión y los rosales, / que con sólo sonreír entre los ojos / nos invita a viajar por otras zonas”, así describió alguna vez Hamlet Lima Quintana en su poema Gente necesaria. Andrés Paredes es de esta gente, mano tendida, mueca de sonrisa feliz en un rostro amable, colores teñidos en el aire donde el arte dialoga con la sociedad y la naturaleza.

 

Lleva más de veinte años trabajando en el arte. Está de viaje en la vida y con su obra. Comenzó hacer obras con las dos manos. “Hace mucho que buscaba esta línea orgánica”, cuenta y sonríe ante algo que parece sencillo pero no lo es en absoluto. Paredes visita la provincia del Chaco pero al mismo tiempo revela que aquí es como pisar el suelo que también le pertenece y es aquí donde puede hablar de sus raíces. Su abuela nación en Sáenz Peña, su madre es de Villa Ángela y como si fuera poco, sus pares artistas están en esta provincia.

 

— Una de mis primeras muestras las hice en Resistencia, en el 2006, en el espacio de radio Libertad. Era un espacio de arte contemporáneo muy de vanguardia para la época donde podía experimentar desde mí lugar. Era un momento de mucha efervescencia y había demanda de arte. En el 2014 hice una muestra individual en el Muba. Ahora, vuelvo en el 2025 para hablar de mis raíces y sentir que estas tierras de alguna forman me pertenecen.

 

Andrés Paredes es de Apóstoles, Misiones. Es artista visual y diseñador gráfico egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Misiones (UNaM). Se formó y se sigue formando en distintos países y realizó muestras en diferentes provincias argentinas, además expuso en Chile, Paraguay, Colombia, Perú, China y EEUU, entre otros países.

 

— ¿Cuál fue el criterio que usaste para los tintes naturales que aparecen en un espacio de esta muestra en el Muba?

 

— Hay una serie de tintes naturales que surgieron de una residencia en Areguá, Paraguay. A medida que iba viajando por ese país veía puestos que vendían remedios — los yuyos para el terere — me pareció interesante trabajar con esos yuyos para sanar.

 

Empecé hacer té y después seguí con las hojas de mango licuadas, también pinté con tierra. Hay una serie que tiene tierra y vino de Mendoza, trabajé en un laboratorio de esa provincia.

 

Después hay otra serie donde pinté en una cascada en Misiones donde trabajé con la espuma, con esa espuma que arrastra sedimento y tierra. Estas acuarelas no significan una representación del paisaje sino que son el paisaje.

 

 

Transformación

 

Hace unos días atrás charlamos con Andrés Paredes en el Museo de Bellas Artes de Resistencia. Mientras hacía el montaje de esta muestra Paciencia infinita. La sala del museo es como si fuera un elixir. Todo lo que puede apreciarse en las paredes se conecta con lo que está en el centro de la sala. Salir de esta especie de huevo es enfrentarse con el lugar de las podas, esas podas hablan de la muerte - una metáfora de sacar de la vida lo que ya no sirve más o hacer lugar para que algo nuevo aparezca. La poda puede ser definitiva y por ello el artista habla de algo que ya no volverá a nacer. Tiene esa doble metáfora que cuando vos salís te estás muriendo y también estas emergiendo. La obra habla de ciclos y transformaciones.

 

— ¿De dónde viene ese concepto de transformación?

 

— Trabajo con insectos que se transforman. Mariposas, libélulas, chicharras. En la muestra en el MUBA hay cuadros inéditos que nunca mostré en ningún lado. Los cuadros están pintados en Areguá con pigmentos naturales, usando la mano izquierda como una cuestión transformadora. Habla de una naturaleza microscópica.

 

— El título de la muestra, Paciencia infinita, ¿tiene relación directa con esa transformación?

 

— Me gusta establece relaciones en mi obra o poder visibilizar, establecer caprichosamente relaciones entre la naturaleza y lo que nos sucede a nosotros como seres humanos. En ese sentido hay varios puntos. Uno de ellos es elegir insectos que se transforman como las mariposas, libélulas y las chicharras. En ese punto busco establecer una metáfora con el deseo de todo ser humano de redefinirse y reinventarse las veces que sean necesarias.

 

Después se establecen en este marco otras metáforas como las podas. Esta es una obra que está en la entrada del museo. Esta cuestión de la poda habla de mantener y cultivar tu jardín interior para que sea fértil o para que crezca lo que vos querés que crezca. Es el espacio para darle lugar a lo nuevo.

 

 

Emerger

 

Escribo esta palabra y rápido voy a un diccionario. El primer significado que aparece es brotar. Ahí cobra más potencia todo el título de la muestra de Andrés Paredes – Paciencia Infinita. De esto se desprende dos cuestiones, por un lado la paciencia que es propia del ser humano y lo infinito que es propio del ciclo de la naturaleza, donde todo van sucediendo y que a veces no tenemos tiempo de detenernos para apreciar los cambios.

 

“Todo tiene ciclos”, advierte el artista. Incluso eso puede verse en la sala que está divida en segmentos que representan donde estamos parados en el universo. La disposición de la obras en el formato de la sala de un óvalo lo lleva a Andrés Paredes a plantar la idea de una crisálida.

 

El concepto nuevo es atrapante, la crisálida es un lugar del cual uno emerge y se emerge diferente. No tiene que ver con el nacimiento sino con una toma de decisión. El estado de crisálida tiene relación con un estado de metamorfosis y transformación. Paredes tomó la forma ovalada de la sala del Muba como si fuera una crisálida. Esa es la obra más interesante, señalar que estamos adentro de un ovalo y la experiencia se vive ahí, recorriendo cada paso, dentro de la crisálida.

 

 

Invitación a la introspección y a la meditación

 

 

— ¿Es tu muestra más profunda?

 

— Tiene muchas cosas y varias puntas para hablar, de la naturaleza, la transformación, de algunas cuestiones que me surgieron hace muy poco. Soy misionero. Hace tiempo que no vivo en Misiones sino que ando por todos lados, viajando y dando vueltas por distintos lugares.

 

El año pasado tuve la suerte de ir al Desierto de Atacama, hice una residencia y ahí cambió mi visión sobre la naturaleza. La parte más espiritual de la muestra está centrada en una cueva que está dentro de la crisálida. Este es un organismo metido dentro de la crisálida. La cueva tiene rocas y cristales. Esos cristales los construí para hablar de ese sentimiento de la piedra como materia vibrante y no como una cosa inerte. En ese sentido, me interesa pensar qué sentiría esa piedra o esa montaña si no se hubiera extraído nunca ningún mineral.

 

— Esas aberturas también hablan de la paciencia

 

— Los calados de muchas épocas hablan de la paciencia infinita. Hablan de esa cuestión del tiempo que se dedica a producir cada obra. Acompaña esta muestra un laboratorio instalado en el Hall de la Casa de las Culturas. Esto hace referencia a un hallazgo de un microscopio con el cual jugaba cuando era chico, ahí aparece la visión microscópica que nos habita pero también una relación directa entre arte y ciencia. El arte y la ciencia está presente en todos mis trabajos.

 

— Vuelvo a una cuestión de la poda, ¿esto tiene conexión con tu arte donde hay una necesidad de crear cosas nuevas y dejar atrás incluso cosas que funcionan?

 

— Totalmente. Es como una curiosidad, en todo tiempo estoy en una búsqueda y hay veces que necesito hacer algo que no se replica, una obra única donde queda la obra recortada en el tiempo. Es un ejercicio de edición que creo que debe estar presente en todos. Claro, esta edición es una toma de conciencia, autoconocimiento y nos exige ser analíticos. Para mí ser artista implica esta cuestión, estar viviendo en un tiempo y estar relacionado con la sociedad, con tus pares más cercanos. En mi caso mis pares están en el Chaco, con quienes puedo tener un diálogo sincero y válido.

 

 

La Chicharra es un símbolo tremendo y es nuestro

 

La naturaleza siempre está en la obra de Andrés Paredes. Más allá de haber nacido rodeado de ese ver natural de Misiones, hay un posicionamiento del artista donde subraya que se siente un eslabón de la naturaleza, es parte de la naturaleza. No un ser superior a la naturaleza. “Soy parte de y no soy superior a”, advierte. Desde ese lugar habla de lo microscópico y pinta con la mano izquierda, pierde el control y trata de sentirse un par cuando trae al arte un árbol, por ejemplo.

 

Paredes ha transcendido por varias obras pero una de las más características es la chicharra. Antes de llegar a Resistencia expuso en Salta donde cuenta que allá a la chicharra le dicen Cuyuyo, pero la simbología es la misma.

 

“La Chicharra vive debajo de la tierra y emerge en el momento en que nosotros estamos replanteándonos la idea de un próximo ciclo cada fin de año. Salen para decirnos podes cambiar y podes transformarte. Además se pega con la tradición del renacer que es la tradición cristiana. Coincide en que todas nuestras navidades son con sonido de chicharra. No entiendo por qué en nuestros árboles de navidad no hay chicharras y ponen renos. La metáfora es la misma. Es renacer, la fe, la espiritualidad o pensar en un proyecto nuevo está ahí para nosotros. Para mí es un símbolo muy tremendo y es nuestro. Además, está incorporado en nosotros desde lo sonoro y lo visual”.

 

 

 

 

 

 

“Nos enfocamos en honrar la vida de Amy Winehouse”

Este sábado 29 de marzo hace su presentación por primera vez la banda Mr. Magic. En una charla telefónica con Mauro Aguirre y Antonella Laschera destacaron que este tributo a Amy Winehouse nació para enfocarse en la forma de ser, en la forma de escribir y pensar que tenía Amy.

 

Por Paulo Ferreyra

 

 

Para seguir creyendo en el sol.

 

“Bueno, mi cuerpo ha sido un desastre y extraño tu cabello de jengibre", dice una hermosa canción que Amy cantó como nadie pudo ni podrá hacerlo. El talento nato, el estado de caos, las emociones quebradas y la sensibilidad extrema de una mujer que apareció para quedar en el registro de todos los amantes de la buena música, son algunas de las puertas de acceso para pensar en ella”, así la describió hace un tiempo la gran periodista Flavia Pittella.

 

Este sábado 29 de marzo a las 21 en el Centro Cultural Flotante Siete Corrientes se presenta por primera vez en la ciudad Mr. Magic. La banda está integrada por Mauro Aguirre en guitarra, Antonella Laschera en voz, Pablo Pisarello en bajo, Abigail Robledo en teclados, Camilo Almirón en batería y Hernán Palomo en saxo.   

 

 

— ¿Cuál fue el germen de esta banda tributo?

 

Mauro — Amy es una artista muy influyente del jazz y del r&b, géneros que nos gusta a los integrantes de la banda. Eso fue lo primero que nos unió además del amor a la artista para realizar este tributo.  

 

Antonella — A mí me gusta personalmente la forma de escribir que tiene, sus letras son muy crudas y muy explícitas. Está hablando de su vida sin ningún tapujo y a la vez tiene una forma muy poética para decir ciertas cosas. Me gusta también la mezcla de géneros que hace, pasando del jazz, soul, r&b, hip hop, entre otros.

 

Sus influencias también eran muy notorias. Por ejemplo, le gustaba mucho Frank Sinatra, habla de él en sus álbumes e incluso uno de sus discos se llama Frank, por Sinatra. Me gusta esos homenaje que hizo a otros artistas en sus canciones y en sus discos.

 

Es una artista importante para la historia de la música, por sus composiciones, por su voz única e irrepetible, estamos ensayando para hacerle justicia.

 

 

“Mucho respeto y mucho amor”

 

Mr Magic se viene preparando desde el mes de diciembre. Ensayando y masticando de alguna manera cada sonido, cada registro y cada canción. Mauro y Antonella cuentan que desde que escuchan música la tienen a Amy entre sus preferencias musicales. Ha influido mucho en ellos, es la música que aspiran y respiran.

 

La banda armó una pequeña selección de músicos ya que las canciones no son fáciles de tocar. Requiere dedicación, conexión entre los músicos, “mucho respeto y mucho amor”, agregan ellos. Si bien respetan al máximo lo que hace las estructuras de las canciones son músicas que dejan traslucir sus gustos y sus juegos musicales en cada interpretación.

 

“Amy improvisaba mucho en vivo. Ningún registro es igual a otro. Para eso ella tenía una gran conexión con sus músicos. Desde ese lugar también nos permitimos abrir la jugada”, agregó Antonella. “Lo crucial está”, agrega Mauro, para explicar sobre la estructura de la canción.

 

Entre los temas que más le gustan destacan Rehab y Mr. Magic, canción que justamente da nombre a la banda tributo. “Este tema no es tan conocido. No está en el top cinco de las canciones más conocidas de ella. Es una canción muy buena. Es una canción que nació de un momento espontáneo y eso también es algo hermoso”, agregaron.

 

 

Leer y escuchar música

 

“Nos enfocamos en honrar la vida, su forma de ser, de escribir y de pensar de Amy Winehouse”, cuenta Mauro y Antonella. En un programa que tenía Flavia Pittella – Una clínica de todo – había mencionado que Amy, entre muchas otras cosas, era una gran lectora. Había creado un grupo llamado "leer en la cama", donde compartía e intercambiaba lecturas con los demás. Fue una artista completa.

 

En el libro Amy Winehouse, en sus palabra se lee “puedo ser un poco excéntrica y ruidosa, rara incluso, pero eso es porque no mucha gente realmente me conoce. Mucha gente no quiere conocerme”. Ahora en Corrientes y de la mano de Mr Magic, quizás podemos acercarnos en vivo al universo Amy.

Franco Rivero: "Para mí, escribir y vivir no son cosas separadas”

Hoy es el día mundial de la poesía. En esta charla con el poeta Franco Rivero hablamos de la escritura, la poesía y la ternura. Aun cuando creció en un entorno violento, sostiene que la ternura es su resguardo, “un gesto que conservo de cierta inocencia”.

Por Paulo Ferreyra

 

"Para mí, escribir y vivir no son cosas separadas. Para mi están completamente juntos. No es que necesite un tiempo o un espacio para escribir. Puedo estar en un stand vendiendo cacerolas y correrme para dar un taller de poesía. Después volver al stand para seguir vendiendo. Puedo estar vendiendo cacerolas y puedo seguir con el poema que estoy trabajando en mi cabeza mientras le atiendo a gente que me dice que estamos muy bien económicamente, como si fuera poco te arroja que Milei es el mejor presidente de la historia. Insisto, no separo la vida de la escritura. Cuando camino, cuando piso, piso escribiendo".

 

— “¿Cuándo vas a empezar a grabar?”

 

Me pregunta Franco en un tono de voz amable, dulce, delicado. Igual me intimida un poco. Mientas tanto sobre la mesa el aparato ya parpadea su luz roja.

 

Franco Rivero vive en Ituzaingó. Está rodeado por sus perros y sus gatos. Es profesor de Lengua y Literatura pero en la provincia de Corrientes no lo dejan ejercer. Hace tres años que no puede ejercer la docencia. Es además licenciado en Letras y también hizo un doctorado en Semiótica. Desde hace un año vende ollas y productos Essen. Ha publicado los libros Situación desbridamiento; Vos ahora voz; Nudo de agua en el viento; Usted no viaja asegurado (Segundo Premio del Fondo Nacional de las Artes 2016);  y Disminuya la velocidad (Primer premio Género Poesía en el Concurso de Letras del Fondo Nacional de las Artes 2018). Guasca es su más reciente libro.

 

Tenía preparada algunas preguntas pero las desestimo. La charla telefónica se reparte entre su cielo que trae de Ituzaingo, nubes blancas y negras que se distribuyen en un tono que sigue siendo amable, dulce, delicado.

 

Hace tiempo en una charla que tuvo Franco con el escritor Mariano Quirós le reveló parte de cómo es su entorno. Esa entrevista fue cuando salió el libro Guasca. Ahí Franco contaba cómo es el espacio de violencia de su barrio, cómo él identificaba qué animal se estaba cocinando por el olor, que las faenas eran en la cancha de futbol frente a su casa, vecinos que tenían un carpincho atado con un cable y que con ese mismo cable lo llevan a pasear. La violencia presente en su existencia desde que tiene memoria.

 

Aún en ese entorno Franco pisa con ternura y se acerca con ternura al mundo. "Es un resguardo", explica. "Es un gesto que conservo de cierta inocencia. Cuando una criatura empieza a tener conciencia del mundo - lo que le da conciencia del mundo siempre es una violencia - no es un hecho lindo. Ese es el lugar donde me quedé con la escritura. Desde ahí puedo atravesar la violencia y seguir entero en mi ternura. Lo puedo hacer gracias a que tuve conciencia de que podía crear. Escribir te da un nuevo corazón.

 

— ¿Cómo es eso?

 

— A ver, escribir te da un corazón nuevo, esto es lo correcto. Es decir, además del corazón que tenés para vivir te armas de otro corazón con la escritura. Es al mismo tiempo una cagada pero también una entereza. Tenés dos corazones para atravesar el mismo dolor, dos corazones para atravesar la misma alegría, dos corazones para atravesar la misma violencia. El corazón de la escritura es el que te mantiene entero. Ahí nadie te mata.

 

— ¿y cómo se alimenta o cómo se sostiene la ternura?

 

— En mí vida es con muchos animales cerca. Vivo con perros y gatos. Tuve una lechuza y sapo. Tengo muchas plantas. Tengo una relación particular con las hormigas. Eso me ocupa la mayor cantidad de la visión y de la interacción. Mi cabeza está ahí. Si hay algo lindo que tienen los animales es que no te violentan. El contacto con un animal nunca te violenta, siempre es armónico y tierno.

 

Además ya no discuto. No recuerdo cuando fue la última vez que discutí por algo. Ya no peleo por ninguna idea. Estoy en otro lado. Estoy en una tercera orilla como decía  Alicia Genovese, ni esta orilla ni la otra, una tercera. Creo que es imposible el acuerdo. No creo que hablando se entienda la gente. Creo que la palabra está para dividir, fragmentar, para diferenciar y enfrentar. No sabemos utilizarla de otra forma.

 

— Pero el poema está hecho de palabras.

 

— El poema es la tercera orilla. Literalmente es la tercera orilla. Podes rehacer todo en ese lugar. Podes incluso presentar lo roto pero podes presentarlo reparado, porque si siguiera roto no podrías escribir.  Ahí la palabra tiene otra oportunidad en el poema. Se presenta diferente. La palabra en el poema es un tercer lado. La palabra recupera una dimensión de ficción pura.

 

— Te llevo a otro plano, en ocasiones hemos escuchado la expresión que el arte nos salva, si es que nos podemos salvar de algo, ¿la poesía te salva?

 

— No. No. Si eso fuera cierto este mundo sería otro. No hay un paper que no arranque con un verso. Siempre lo que aparece ahí es un verso, la parte de un poema. Pero no te curas con un verso. Por más que sintetice lo que vas a decir en el paper. Mucho menos con un poema.

 

La poesía te puede acompañar. Ahora acompañar no es salvar. Es aquí donde vuelvo al comienzo, hay dos corazones. Seguís con el corazón que tiene el dolor. Sentís con el corazón de nuestra especie que parece un bicho educado para la violencia o dirigido a la violencia. Hasta las relaciones más hermosas tiene un trasfondo violento. Es terrible, es como si no pudiéramos habitarnos sin violencia. El otro corazón, el corazón de la escritura acompaña. No reemplaza al otro corazón. Salvar no, acompañar seguro.

 

"Esto es poesía"

 

 

Recorrí antes de charlar con Franco algunas librerías de las ciudades de Corrientes y Resistencia. En ninguna encontré su más reciente libro, Guasca. Ante la pregunta de porque no estaban sus libros sonríe, se sonroja en los labios y desliza - "esto es poesía Paulo. Hablamos de una tirada de 500 ejemplares en poesía es un montón. Tuve la suerte de que se vendiera todo. Disminuya la velocidad y Usted no viaja reimprimimos, Vos ahora voz reimprimimos y se vendió todo. Pero en el medio falleció la responsable de la editorial Deaca. Hay cosas que no se pueden seguir y en algún momento reimprimiremos. Estamos pensando en un sello editorial nuevo con Nancy Toselli. Sigo pensando en la autopublicación. Me gusta mucho la idea de estar en todo el proceso hasta que el libro salga”.

Este día de la poesía no es ajeno para Franco. "Es como si fuera navidad, año nuevo, son fechas que conozco. Me gusta que la gente hable de poesía. Es bueno que la gente hable del poema en este día y lo festeje. Puedo lidiar mejor con esto que con la navidad".

 

Mientras habla destella una amorosidad que no alcanzo a transferir o que en vano busco alguna palabra para describir. Este día de la poesía agrega que es mejor que el día de su cumpleaños, "pasé muy pocos cumpleaños buenos. Hasta ahora pasé muy lindos días de la poesía. De hecho, me enteré del día de la poesía cuando ya tenía tres libros publicados. Me enteré de este día cuando comencé tener presencia en el mundo de las redes sociales y la gente me escribía o me saludaba. Es mejor que un cumpleaños. Pero hay días para todo y eso está bien. Debe haber el día del cuento o día de la novela. Quizás sea bueno que haya un día para celebrar cosas amorosas", dice y su voz sigue siendo amable, dulce, delicado.

Franco y Nancy, adelantó que entre mate y mate algo nuevo se va a gestar.